La 3ª de Gorecki, un profundo lamento

Henryk Gorecki nos dejó hace ahora un año y con él se fue uno de los compositores más representativos de lo que se ha llamado música minimalista. Nacido en 1933, Gorecki fue en su primera etapa un compositor vanguardista y experimental donde su música era atonal y llena de disonancias, más adelante, en los años 70 Gorecki abandona este estilo para adentrarse en unos cánones más clásicos y escribir música tonal. De esta segunda época es su obra más conocida, la tercera sinfonía o “Sinfonía de las lamentaciones” donde el tema central es el amor de madre, y el dolor de esta ante la pérdida del hijo o hija.

La sinfonía consta de 3 movimientos, todos lentos, siendo la duración normal alrededor de 50 minutos, 50 minutos de una profundidad y paz inigualable. Al escuchar esta obra te sumerges en un océano de calma que rara vez se embravece. La obra está compuesta bajo las premisas de armonías y melodías sencillas y lineales pero no carentes de una belleza extrema. Una soprano acompañada de orquesta son las encargadas de interpretar esta auténtica maravilla musical del siglo XX.

El primer movimiento es la mitad de la sinfonía en cuanto duración y en él la soprano pone voz a un texto del siglo XV inspirado en canciones religiosas de la época donde La Virgen María se despide de su hijo en la cruz.

Mi querido hijo, mi predilecto,
comparte las heridas con tu madre.
Ya que he sido yo, querido hijo, quien te ha llevado en el corazón
y quien tan fielmente te ha servido.
Háblale a tu madre para hacerla feliz,
pues ya me abandonas, dulce esperanza mía.

El segundo movimiento está basado en unas pintadas que se encontraron en una cárcel del sur de Polonia, exactamente en Zakopane, una localidad en medio de las montañas. En aquella cárcel los nazis aprisionaron a parte de la población polaca conquistada, y entre escritos de rabia y odio en esas paredes había unas frases que llamaron poderosamente la atención de Gorecki, fueron escritas por una joven de 18 años (Helena Wanda) que lejos de sentir enojo e impotencia ante su situación lo que hizo es mostrar compasión y acordarse de su madre que era la verdadera sufridora de su desgracia.

Mamá, no llores, no.
Inmaculada Reina de los Cielos,
Apóyame siempre.
Ave María, llena eres de gracia.

Gorecki envuelve este movimiento con lo que quiere ser el viento que reina en aquellas montañas. Realmente conmovedor.

Para el tercer movimiento Gorecki echó mano de una canción popular polaca que hace alusión a una madre que llora desconsolada la pérdida de su hijo en la guerra allá por 1920. La carga emotiva de las palabras de la madre a Gorecki le parecieron dignas de una auténtica poetisa por lo que no dudó en incluirlas en su sinfonía.

Oh cantad para él,
pajarillos cantores de Dios
porque su madre

no puede hallarlo.

Y vosotros, florecillas de Dios,

floreced a su alrededor

para que al menos mi hijo

pueda disfrutar soñando.

Una sinfonía llena de ternura, hondura y sosiego que te arranca del bullicio cotidiano y te transporta a un estadio superior de verdadera paz.

Por Caarte.

El provocado Winston Churchill

Pensar en Winston Churchill es a la vez recordar a uno de los políticos y estrategas más eminentes del siglo XX, pero también conmemorar a un personaje que destacaba por su rudo carácter y arisca personalidad. Y es que en tiempos en los que la política nos desgasta por discursos balbuceados por muñecos del guiñol, uno siente nostalgia al ver que, apenas hace 50 años, había presidentes que defendían realmente los intereses de sus conciudadanos, aún estando en oposición con los colegas del propio partido.

Y pensar en Churchill es también imaginarse este retrato, una cara fruncida con mirada penetrante, algo enfadada pero también inquisitiva. En definitiva, el espejo de su propio carácter. Entonces, ¿como se lo hizo el fotógrafo para sacar la esencia de tal personaje? Pues desmoronando los roles a los que Churchill estaba acostumbrado, es decir, rebajarlo a ser un ciudadano más, un inglés a quién se lo puede provocar sacándole, por ejemplo, el puro de la boca al que tan acostumbrado estaba. Y así lo hizo Yousuf Karsh, autor del retrato. En la sesión, viéndose incapaz de sacar de Churchill ese áspero carácter que había dado a conocer a todo el mundo, se decidió por provocarlo en lo más personal que conocía de él, el puro. Le pidió primero que no fumara pero, al negarse éste, se lo quitó repentinamente de la boca. Se colocó entonces detrás de la cámara y le sacó el retrato que a dia de hoy conoce todo el mundo.

Una decisión de lo más arriesgada pero a la vez increíblemente ingeniosa. Imagino al fotógrafo nervioso pero a la vez seguro, agarrando con firmeza este apéndice de Churchill y observando por el visor de la cámara la reacción que esperaba. Estoy segura que en este momento sabía que aquella imagen daría la vuelta al mundo para quedarse para siempre. Éste sentimiento de tener “la foto” eriza la piel a cualquier reportero profesional. Es el resumen de toda una vida, un carácter, una profesión y un contexto histórico, metido en una foto.

Vale decir que, a pesar de tener unos políticos que se diferencian de Churchill por su nula conexión con el pueblo, tenemos la suerte de vivir en democracia, así pues desde aquí animo a todo ciudadano ser partícipe de ella el próximo 20N.

Por Nona Codina (Colaboración)

“Los desnudos y los muertos” de Norman Mailer

Norman Mailer (1923-2007) fue una de los hombres de letras más influyentes en la América del siglo XX, no sólo por ser un gran novelista sino también por ser una de los periodistas más reputados así como guionista de relumbrón e incluso cineasta. Sus opiniones políticas (entre la izquierda y el conservadurismo más rancio) y su particular estilo de periodismo literario le convirtieron en un periodista de referencia.

Como escritor en él se produjo un hecho que no suele ser muy habitual, alcanzó su cima literaria con su primera novela (Los desnudos y los muertos) y a la temprana edad de 25 años, en este libro Mailer desgrana las experiencias vividas por él mismo en el ejército durante la 2ª guerra mundial cuando Estados Unidos se incorporó a la contienda tras el ataque japonés a Pearl Harbor.

El libro nos sitúa en Anopopei, una pequeña isla del Pacífico donde los americanos deben de tratar de liquidar a los japoneses, en este contexto Mailer desarrolla el día a día de la guerra, tanto en el campamento como en el frente.

Norman Mailer se apoya en todos sus protagonistas, ya que se puede hablar que estamos ante una novela coral, para hacer un profundo análisis de la sociedad americana de la primera mitad del siglo XX, de hecho el libro tiene saltos en el tiempo que el autor aprovecha para desarrollar un perfil individual de cada personaje y mostrarnos la vida de cada uno de ellos hasta el momento presente de la campaña en el Pacífico.

Aparte de mostrarnos los distintos estratos sociales de la sociedad estadounidense y de sus papeles en el ejército, Mailer teje magistralmente los perfiles psicológicos de cada personaje y de cómo estos se enfrentan a las situaciones a los que la guerra los expone. La crueldad, la falta de crepúsculos, la lucha moral interior describen la guerra con un realismo impresionante, también nos traslada a esa época los prejuicios sociales de los soldados así como el machismo o cómo la religión les provoca conflictos interiores.

La novela consta de casi 700 páginas donde también encontramos mucha táctica militar en manos del general Cummings y una descripción increíble de la dureza tanto física como psicológica a la que los soldados deben hacer frente, llegas a sentir realmente lo que es la extenuación humana en su grado máximo, por otro lado Norman Mailer nos hace ver como el ser humano es una simple marioneta en los brazos del poder y como las vidas humanas pasan a ser meros instrumentos de la alta política.

Libro muy recomendable para los amantes de series como “The Pacific”, “Band of brothers” o películas como “Salvar al soldado Ryan” y demás largometrajes del mismo género ya que “Los desnudos y los muertos” es una de las novelas más logradas de la 2ª guerra mundial así como una de las novelas más importantes de la literatura americana del siglo XX.

Por Caarte.

Mis 10 preferidas de Andrés Calamaro (2ª parte)

Seguimos con la lista de canciones preferidas de Calamaro, una labor extenuante y dolorosa ya que uno en vez de disfrutar de las canciones seleccionadas lo que hace es sufrir por las canciones descartadas.

5º La parte de adelante: uno de los himnos del grandioso “Honestidad brutal”, una magnífica letra que es acompañada de un tiempo in crescendo, te da la sensación que Andrés se podría tirar haciendo metáforas hasta hacer una canción sin fin. Calamaro en estado puro!

4º La libertad: tras “El salmón” Calamaro dejó su etapa más fructífera y genial pero aún así ha seguido regalándonos discos con un nivel medio bastante aceptable. En “El Cantante” (2004) se mezclan versiones de clásicos con canciones bastante conocidas, pero a mi parecer hay una que sobresale por encima del resto, esta auténtica oda a la Libertad, esa dama por la que muchos luchan en el mundo y otros no saben apreciar.

3º Mi rock perdido: el Calamaro más gamberro, el más juvenil, el más rocanrolero. Dentro de “Sin documentos” esta canción nos invita a saltar, revolcarnos por el suelo y celebrar que nos gusta el rock mientras Andrés persigue la canción perfecta.

2º Crimenes perfectos: “Alta suciedad” (1997) fue el estreno en solitario de Calamaro tras la disolución de Los Rodriguez, un disco asombroso lleno de elegante rock y ritmos latinos. “Crímenes perfectos” es una balada perfecta llena de melancolía y desgarro. El dolor de la soledad y la tristeza de la ruptura pintan este temazo que ya es un clásico aunque no haya tenido la publicidad que otras canciones, se puede decir que se ha llegado a ese estatus por méritos propios.

1º Flaca: ritmo de batería, inolvidable riff de trompeta y entra la voz de Andrés cantando “Flaca no me claves tus puñales…”, sencillamente genial, suave estribillo , estrofa del mejor Calamaro, un viaje al centro de la genialidad de este ilustre argentino, vuelve el riff de trompeta para despedir esta canción de hace 15 años que será recordada dentro de otros 15. Que suene una y otra vez!

Por Caarte.

Mis 10 preferidas de Andrés Calamaro (1ª parte)

Hacemos entrega en Acabando con la Cultura de un nuevo capítulo de “Mis 10 preferidas de…” y en esta ocasión nos vamos a Argentina de manos del díscolo e ídolo local Andrés Calamaro.

Si el realizar listas es siempre algo subjetivo y muy difícil de hacer, debido a los descartes que siempre hay que realizar, en este caso lo es aún más, ya que si por algo se caracteriza Calamaro es por ser muy prolífico y escupir canciones y hits como churros, un claro ejemplo de ello es su trabajo “El salmón” (2000), un quíntuple disco con 103 canciones que ya ha pasado la historia del rock en castellano.

Ya son 30 años los que lleva encima de los escenarios el bueno de Andrés y en ese tiempo ha compuesto innumerables éxitos que todos podemos tararear de memoria ya sea con “Los Abuelos de la Nada”, “Los Rodriguez” o en solitario.

Aún a sabiendas de que mañana la lista sería distinta, cogemos lápiz y papel y nos arriesgamos a elaborar esta particular lista de este reconocido fan de Bob Dylan.

10º Valentina: un piano como base armónica y una auténtica declaración de amor a la misteriosa mina argentina conforman una preciosa canción que formaba parte del quinto disco de “El salmón”. Apaga la luz y déjate llevar por este bello tema.

9º Dulce condena: a principios de los 90 Los Rodriguez explotaban en Madrid y se convertían en un grupo de público masivo, y lo hicieron gracias a himnos como “Dulce condena”, una visión particular de las relaciones de pareja entre el optimismo y el masoquismo. ¿Quien no ha cantado eso de :"no importan los problemas, no importa la solución...". El tema pertenece a “Sin documentos” (1993)

8º Diez años después: El disco de confirmación de Los Rodriguez fue “Palabras más, palabras menos” (1995), época gloriosa junto a Ariel Roth donde no paraban de girar y de brindar por los éxitos cosechados. ¿Dónde estaremos dentro de 10 años? ¿Qué pensaremos de nuestras parejas cuando dentro de 10 años echemos la vista atrás? Calamaro se explaya y nos ofrece su visión.

7º La mirada del adiós: Calamaro siempre se ha caracterizado por poseer una pasmosa facilidad para crear jugosas canciones llenas de melodías pegadizas, este es un ejemplo más. Recomendada para todos los tortolitos que cuando se despiden quieren ser los últimos en aguantar la mirada de su pareja. Letra sencilla y melodía 5 quilates.

6º Cuando te conocí: “Honestidad brutal” (2004) es condiderada por unanimidad la obra maestra de Calamaro, un doble cd con 37 canciones, por lo que más bien se podría hablar de al menos un disco triple. Es el mejor Calamaro por temas como este “Cuando te conocí”, una vez más Andrés le canta a su chica una vez que el tiempo ha pasado y el amor se vuelve más poético.

Por Caarte.

"No volveré a ser joven" por Gil de Biedma

Jaime Gil de Biedma es ya, a día de hoy, el poeta español más influyente de la segunda mitad del siglo XX, perteneciente a la generación del 50 el autor fué referente para muchos poetas contemporáneos suyos o para las nuevas generaciones.

Aprisionado entre el libertinaje más canalla y la profesionalidad más sobria como alto directivo, entre su pasado de familia tradicional y sus ideales izquierdistas, Gil de Biedma desarrolló una obra poética basada principalmente en dos conceptos: el tiempo y el personaje Jaime Gil de Biedma, o lo que es lo mismo, como el paso del tiempo afecta a el poeta y a sus percepciones.

El poema que presentamos aquí es un claro ejemplo de ello, en él aparte de mostrar cómo los años van haciendo mella en la ignorancia e ilusión del joven que todos hemos sido en algún momento, Jaime Gil de Biedma hace hincapié en el carácter nihilista que tiene la vida en sí misma, donde no importa lo que hagas en vida ya que el resultado será el mismo para todos.

El poema es posiblemente su composición más conocida, su brevedad y profundidad hacen de él un deleite para los sentidos, donde como todos los buenos poemas requieren de un momento posterior de reflexión.

NO VOLVERÉ A SER JOVEN

Que la vida iba en serio
uno lo empieza a comprender más tarde

-como todos los jóvenes, yo vine

a llevarme la vida por delante.

Dejar huella quería

y marcharme entre aplausos

-envejecer, morir, eran tan sólo

las dimensiones del teatro.

Pero ha pasado el tiempo

y la verdad desagradable asoma:

envejecer, morir,

es el único argumento de la obra.

 
Por Caarte.

Micah P. Hinson and the Gospel of Progress, el disco de la década?

Recién estrenada la mañana, apenas debería de estar empezando a clarear ahí afuera, al otro lado de la ventana, me coloco los auriculares a gran volumen y empiezo a dejarme persuadir e inundar por el mágico sonido del teclado que dibuja “Yourself asleep again”, de repente aparece la peculiar voz de él, del joven vagabundo que parece recién surgido de una profunda caverna.

Él es Micah P. Hinson (Tennessee, 1981) y el disco es su ópera prima (Micah P. Hinson and the Gospel of Progress, 2005). Cuando te encuentras de vez en cuando con un disco de esos que te dan la vuelta, te descolocan, que te hacen replantear todo y que no puedes dejar de escuchar una y otra vez te sientes dichoso, muy afortunado de que te guste tanto la música y de tener esa joya entre tus manos, y eso es precisamente lo que me pasó a mi cuando descubrí este magnífico disco.

Ya conocía un trabajo posterior del bueno de Micah (The baby and the satellite) y ya me había quedado enganchado a su ronca voz, a sus bellas melodías y a sus emocionantes arreglos, pero fue esa mañana y ese disco los que me convirtieron en un irremediable fan de Mr. Hinson. Recomiendo encarecidamente este peculiar modo de escuchar discos: en el silencio de una habitación y el volumen al máximo para que la música se filtre por todos los poros de tu piel.

Y así después de “Yourself asleep again” llegaron “Beneath the rose” y sobre todo “Don´t you forget” un auténtico himno que todo el mundo debería tener más escuchado que cualquiera de los petardos de adolescentes que mueven las caderas y que nos inundan a todas horas por todos los medios.

A mitad del disco nos encontramos con un remanso de paz inigualable, un oasis de calma y ternura llamado “The nothing” y te preguntas como algo tan simple y minimalista pueda alcanzar esas cotas de belleza e inspiración.

El carácter folk dominante en todo el trabajo se hace especialmente latente en temas como “Stand in my way”, "You lost sight on me” o “Caught in between” donde el tejano de adopción da rienda suelta a sus lamentaciones sentimentales y donde se respira la amargura que una vida como la de Micah lleva consigo: desde muy joven estuvo enganchado a todo tipo de sustancias que le llevaron a dormir en la calle o entre rejas, y de donde sólo pudo salir gracias a su genialidad, su guitarra y su amor.

“On my way” es otro brillantísimo momento del disco donde el tema va creciendo hasta la extenuación y el desgarramiento total de la voz y de la guitarra de Micah llegando a un deslumbrante éxtasis que no deseas que acabe nunca.

Y por fin llegamos al cierre del LP, con un tema de más de ocho minutos de carácter hipnótico (The day Texas sank to the bottom of the sea) que se podría decir que es mi canción preferida de Micah P. Hinson, o sino una de las preferidas. Parece que te está cantando al oído, en un ejercicio de máxima sinceridad y confesión, todas sus soledades e inquietudes. Micah se postra de rodillas ante su amor y reconoce su debilidad, se ofrece ante ella y señala que sólo los pensamientos sobre ella le mantienen con aliento.

Un disco para guardar y recomendar a tus amigos melómanos como hizo conmigo mi buen amigo y compañero de Acabando con la Cultura Luis.

Por Caarte.