The Pacific, la serie.

Esta serie se podría considerar como la continuación de Band of Brothers, una vez más Tom Hanks Y Steven Spielberg coproducen el proyecto que esta vez nos sitúa en la 2º guerra mundial una vez más pero no en suelo europeo sino en la lucha que mantuvieron los americanos contra los japoneses.

Los personajes son reales una vez más y la serie está basada en las memorias de Robert Leckie “Helmet for my pillow” y de Eugene Sledge “With the old breed”, es digno de resaltar también que uno de los escritores de la serie es Hugo Ambrose, hijo de Stephen Ambrose, autor del libro “Band of brothers” origen de la serie homónima.

Band of Brothers ya nos había mostrado la guerra tal y como es, sin tapujos y con toda su crudeza, pero The Pacific va más allá, alcanzando unas cotas de realismo hasta ahora no vistas. Cuando uno ve cualquiera de los 10 capítulos de los que consta la serie le entran escalofríos de observar la guerra tal cual es, sin remordimientos, sin cargos de conciencia, repleta de las mayores brutalidades a las que puede llegar el ser humano, las vidas no tienen ningún valor, los enemigos son simplemente eso, enemigos, se les deshumaniza por completo para no tener ninguna clase de remordimientos.

Si por algo se caracteriza esta serie de HBO es por la espectacularidad de sus escenas, como ya hizo en su día “Salvar al soldado Ryan”, las escenas de desembarcos, bombardeos o duelos de artillería en el frente alcanzan unas cotas de realismo que logran situarte verdaderamente en aquel lugar y en aquel tiempo.

Sobre una multitud de personajes resaltan tres, Robert Leckie, Eugene Sledge y John Basilone. Los capítulos van alternando el protagonista y nos muestran la guerra a través de los ojos de ellos y de sus preocupaciones y sentimientos. Los tres personajes son muy diferentes entre sí, sus puntos de vista resultan muy interesantes de analizar así como observar como la guerra les va haciendo evolucionar como personas o descubrir el final de cada uno de ellos.

Las bombas atómicas de Hiroshima y Nagasaki que pusieron fin a la guerra no tienen casi protagonismo en la serie, simplemente son comentadas brevemente por los protagonistas, suponiendo para ellos simplemente el final del sufrimiento y la posibilidad de abrir unas botellas y celebrar que la victoria se ha alcanzado, así de cruda es la guerra y así de bien nos la cuentan en The Pacific.

Por Caarte.

Loquillo y los poemas de Luis Alberto de Cuenca.

Hay artistas, grupos o cantantes que se tiran 30 años haciendo lo mismo para el mismo tipo de público y hay otros, que son los que realmente merecen la pena, que evolucionan y adaptan su obra a sus nuevas inquietudes, acordes estas últimas con el paso del tiempo y con los años que van cayendo en el calendario particular del creador en cuestión.

Loquillo es uno de estos, en los 80 le tocó ser un rockabilly rebelde que dio mucha guerra y mucho que hablar y junto a los Trogloditas formó una de las bandas de mayor repercusión en el panorama español, ahí está su trabajo para re-escucharse cuando se tengan ganas de quemar rueda, pero esa época ya pasó y aquél chico duro ha dado paso a este elegante cantante, lleno de madurez y saber estar, Loquillo se ha convertido en un auténtico sibarita de la canción, sus trabajos desprenden mucho savoir faire, un exquisito gusto por las cosas bien hechas, un refinamiento en el sonido y en las letras que no son muy comunes hoy en día.

“Su nombre era el de todas las mujeres” es el tercer trabajo de Loquillo musicando poemas de otros. Si en “La vida por delante” (1994) y en “Con elegancia” (1998) cantó por Benedetti, Gil de Biedma, Octavio Paz o Borges entre otros, en este nuevo trabajo se centra por completo en el académico Luis Alberto de Cuenca.

Cuando uno escucha el disco respira perfección por los cuatro costados, o mejor dicho por los cuatro pilares sobre los que descansa el trabajo: los irónicos y bellos poemas de Luis Alberto de Cuenca, la maestra y pausada música de Gabriel Sopeña, la limpia y elegante producción de Jaime Stinus y la inconfundible, cálida una veces y desgarradora otras veces interpretación de Loquillo.

El disco comienza con “Political incorrectness” y “Nuestra vecina” donde el dúo de Cuenca-Loquillo se muestra más desenfadado y humorístico, el disco avanza y te encuentras con joyas de una sutileza extrema, “La noche blanca”, “Cuando vivías en la Castellana” o “Farai un vers de dreyt nien” contienen versos de un nivel insuperable donde podemos encontrar al de Cuenca más romántico y apasionado. “La malcasada” o “Su nombre era el de todas las mujeres” son excelentes temas que completan este trabajo de diez cortes donde la mujer es el eje central y la auténtica protagonista.

Esperemos que Loquillo siga en el futuro teniendo tan buen gusto eligiendo poetas e interpretándoles y es que para realizar este tipo de discos aún le queda toda una vida por delante, sólo necesita poemas, teatros, trajes negros y su inconfundible voz.

“Farai un vers de dreyt nien”

Sobre ti, sobre mí
sobre el infierno y sobre el paraíso
de nuestro amor,
sobre el milagro inútil
de haberte conocido y el abismo
de haber viajado al alba y al crepúsculo
con un monstruo tan dulce y tan dañino,
sobre la huella que dejó tu cuerpo
en mi cama y en todos mis sentidos,

sobre el vestido negro ribeteado

de encaje con que andabas por el filo

de la traición, sobre tu piel tan blanca

y sobre el tiempo que yo perdí contigo…

Sobre todas las cosas que anteceden

y sobre nada

(¿acaso no es lo mismo?)

escribiré un poema, recordando

la canción de Guillermo,

con el frío de la distancia

y con la sensación

de no haberlas vivido.

Por Caarte.

Band of Brothers, la serie de HBO

Todos hemos visto multitud de documentales sobre la 2º guerra mundial, imágenes en blanco y negro con soldados anónimos moviéndose a cámara rápida, Hitler pronunciando discursos mudos con actitud enérgica, explosiones de bombas en escenarios oscurecidos y una voz en off que nos narra el desarrollo de la contienda en términos generales, tropas y países que avanzan y otros que retroceden.

“Band of brothers” es una magnífica serie de 10 capítulos coproducida por Steven Spielberg y Tom Hanks entre otros que nos muestra la crudeza de la 2ª guerra mundial desde otro punto de vista, desde un punto de vista mucho más real, verídico y tangible, desde un punto de vista donde se puede sentir el dolor, oler la sangre y padecer el sufrimiento de sus protagonistas. Para ello los directores de la serie (hay varios, casi uno por capítulo) se basaron en el libro de mismo título que la serie escrito por Stephen Ambrose.

Tanto la serie como el libro narran las experiencias vividas durante la contienda por la Compañía Easy, miembro de la 101ª División Aerotransportada del ejército de los Estados Unidos. Las situaciones que se cuentan son verídicas, todos los personajes que aparecen son reales, de hecho cada capítulo comienza con extractos de entrevistas a supervivientes que en su día rondarían los 80 años.

La Compañía Easy se caracterizó por ser la mejor entrenada y por ser la que más bajas sufrió durante la guerra en el bando estadounidense. Entró en guerra el Día D, lanzándose en paracaídas sobre Normandía, desde aquel día lucharon contra los alemanes en diversos frentes: Francia, Holanda, Bélgica, además de ser la compañía que tomó sin resistencia alguna el Nido del Águila, la lujosa casa de descanso y centro neurálgico nazi que se construyó Hitler en medio de los Alpes.

Muchos son los protagonistas de esta magnífica serie, soldados, sargentos, tenientes, coroneles, pero sobre todos ellos sobresale la figura del Teniente, luego Mayor, Richard Winters, un oficial que no se muestra para nada autoritario, déspota o tiránico sino que logra ganarse el respeto de su compañía con otra serie de cualidades como la eficiencia, el compañerismo, la mesura o la lógica, es por ello que acabes sintiéndote identificado con él y termine ganándote.

La serie se aborda desde la única perspectiva del lado americano, como ya nos tienen acostumbrados, por lo que los buenos y los malos están claramente dibujados aunque es cierto que al final de la serie se intenta humanizar a los soldados alemanes, que no a los mandos nazis.

La guerra es un sin sentido que se crea por las altas esferas de la política y donde los pueblos se aniquilan obedeciendo órdenes de estas, siendo manejados como marionetas, así es como la guerra se ve desde fuera, desde dentro no, desde dentro no hay tiempo para reflexiones, sólo para actuar, matar para poder sobrevivir, eso sí, los que sobreviven les queda una vida entera para reflexionar sobre ello, esto es lo que queda magníficamente retratado en la serie, el día a día de la guerra, las penas por ver a los compañeros perdidos sin tener tiempo para lamentarse por ello porque un día después, una hora después, un minuto después puedes ser tú el próximo. Como bien dice uno de los protagonistas de la serie: cuando algún compañero resultaba herido nos alegrábamos por él porque se alejaría del frente y puede que tuviera un ticket para casa, cuando un compañero resultaba muerto nos alegrábamos por él porque por fin descansaba y le veías lleno de paz ahí tirado, sin más sufrimiento.

Por Caarte.

Mis 10 preferidas de Nacho Vegas (2ª parte)

Tras el aperitivo del artículo anterior ahora vamos al solomillo: las mejores canciones de este bohemio asturiano. Quien no conozca a Nacho Vegas aquí tiene la excusa para adentrarse en su mundo y convertirse en un fiel seguidor.

5º El ángel Simón: emoción al máximo, Vegas le habla a su padre fallecido, sobran las palabras, todas las pone Nacho acompañado de una solitaria guitarra.

4º Me he perdido: canción dedicada a la que fue su pareja Cristina Rosenvinge, un medio tiempo muy Vegas que te atrapa desde el principio, música folk 5 estrellas. Vegas deja su habitual trascendencia a un lado en un magistral guiño cómico:” y ¿Qué te iba diciendo? Me he perdido”

3º El hombre que casi conoció a Michi Panero: un tema  de “Desaparezca aquí”, un folk muy agradable de escuchar dedicado a Michi Panero, el malogrado intelectual noctámbulo, hermano e hijo de los poetas Juan Luis Panero, Leopoldo María Panero y Leopoldo Panero respectivamente.

2º Ocho y medio: el Vegas más trascendental y enigmático nos regala una letra tan larga como personal acompañada solamente de la guitarra acústica de Nacho. Sencilla a la vez que genial estamos ante otra canción que podría durar tres veces más y seguiríamos impasibles llenándonos de la melancolía que Nacho Vegas le dedica a su perdido amor.

1º Cerca del cielo: inspirado en el montañero Juanito Oiarzábal Nacho Vegas compone una canción de una inspiración abrumadora donde el mundo de la montaña recibe un homenaje de una épica y una emoción indescriptible. Supongo que oír esta canción en la cima de un ocho mil debe ser algo mágico, nosotros nos conformamos con disfrutarla a nivel del mar y meternos en el papel del hombre que lucha contra sus fuerzas y su destino.

Por Caarte.

Primavera Club 2011 - Crónicas - Jueves.

Jueves 24 Noviembre, Barcelona. A veces menos es más.

     La sesión de ayer nos demostró que, a veces, más no es mejor. Y así lo demostraron los grupos de escasos miembros y jóvenes como Pure X y Jeff The Brotherhood contra los más numerosos en componentes y entrados en años como The Pop Group o R. Stevie Moore.

     Iniciamos la noche presenciando el set de Pure X. Aunque por motivos personales llegué una vez iniciado el concierto pronto me quedé asombrado que tan solo tres músicos fueran capaces de generar ese ambiente cósmico de post-rock, lo-fi o como queramos llamarlo aquellos que nos obcecamos en poner etiquetas. Un envoltorio de zumbidos y susurros metálicos, bases sintetizadas y mucha emoción. Atmosfera oscura y letras inentendibles muy al estilo de The Radio Dept. pero la acústica de La [2] les hizo un flaco favor al trio de Austin.

     Tras unas cervezas a un euro (noventa céntimos exactamente, bendita sea esa calle), volvemos sobre nuestros pasos y subimos a Apolo a disfrutar del ruido grunge del dúo de Nashville, Jeff The Brotherhood. Si el miércoles Charles Bradley nos transportaba a la época dorada del soul y funky, ayer los hermanos Orral nos llevaban al mejor garage de los 90, como si Pavement, Nirvana y compañía estuvieran sobre el escenario, pero después de haber escuchado en exceso discos de Iron Maiden. Un despliegue de ruido bien afinado y limpio. Con solo una guitarra (de discutible diseño) y una batería llenaron de malaleche una sala entregada al ritmo encarnizado de riffs del guitarrista que animado por el público incluso se atrevió a tocar un tema con su guitarra en medio de la platea y rodeado de la multitud. Recordaron en los mejores momentos de su actuación a Dinosaur Jr. y Silverchair. El momento cumbre, los silbidos y melodía mezclados con ruido guitarrero del tema “Bone Jam” de su último álbum “Heavy Days”. Excelente.

     Tras los americanos nos quedaba la curiosidad de ver a R. Stevie Moore. Alguno de los asistentes ya definió este inicio de festival como el de los abuelos traviesos, y Bradley el miércoles y Moore ayer solo hicieron que confirmarlo. Vestido con un pijama estampado, sudadera con gorro y pañuelo al cuello salía al escenario Stevie acompañado de su banda. Como si Daniel Johnston hubiera resucitado y poseído el cuerpo del allí presente el de Nashville ofreció un espectáculo donde no primó la coherencia musical precisamente. Desafinado y ruidoso en el peor sentido de la palabra, todo potencia pero sin control. Obviando la música hay que decir que se trata de uno de esos locos “genios” que por lo menos hay que ver una vez en la vida, aunque solo soportes veinte minutos del show, como fue nuestro caso.

     Y por último, The Pop Group en Apolo. Los de Bristol se reúnen de nuevo para revivir en directo sus escasos dos álbumes de estudio de 1979 y 1980. Con una mezcla brutal de músicas que van del dub reggae al funk, pasando por el punk en horas bajas e introduciendo lo que en unos años sería el sonido Manchester, los ingleses no consiguieron animar a un público escaso que prefirió el show de Stevie Moore a la misma hora en La [2]. Tengo que reconocer mi aversión a reuniones de grupos “retirados” si estas no tienen más excusa que la económica como parecía el caso. Sonaron mal, no nos engañemos. La valentía en la cacofonía y saturación de sonidos en sus inicios, la violencia de su propuesta en aquellos años, el discurso político de aquel entonces no les ayudaron ayer en absoluto. Aunque en los primeros trazos se acercaban a unos buenos Smiths pero malsonantes y con un frontman demasiado grande y falto de estilo si lo comparas con Morrisey, poco a poco fueron dejando ver la escasez de compenetración y la falta de ensayos que no pudieron suplir con voluntariosidad sobre el escenario. El límite para un servidor y acompañantes fue cuando Mark Stewart tuvo que cantar papel en mano dos canciones para no errar en la letra. Hasta aquí hemos llegado… a casa.

Por Ardemo.

Primavera Club 2011 - Crónicas

El Grito del Halcón del Soul.

     Empieza el Primavera Club y desde Acabando con la Cultura intentaremos desgranaros los que en nuestra opinión sean los mejores conciertos y momentos de estos cinco días de música. Un elenco de grupos que a primer golpe de vista nos sorprende por su atrevimiento, pocos grupos consagrados, algunos revival, diversidad en el estilo musical y muchas buenas promesas que darán que hablar.

     El cartel del Primavera Club lo avisa de antemano, hay de todo y para todos. Y buena muestra fue el conciertazo que presenciamos ayer en la Sala Apolo. En nuestra opinión lo más destacado de la primera jornada. Charles Bradley es un tipo peculiar, ha pasado la mayor parte de su vida trabajando de cocinero por diferentes ciudades de EEUU y cantando solo como hobby. Ahora y a sus, nada menos que, 63 años triunfa como soulman de culto y vive en un sueño gracias a que un subsello de Daptone Records, cuna del soul moderno, decidiera publicar su álbum “No Time for Dreaming” hace apenas un año.

     Sobre el escenario el de Florida fue un torbellino, un frontman de lujo que hacia al publico mover sus caderas, cantar, pero a la vez reírse ante tremendo espectáculo. Su banda, un buen grupo de músicos todos blancos y con chaleco, le presentó como se le conoce en el ámbito musical con mucho acierto, “The Screaming Eagle of Soul”. Su voz desgarrada e infalible unida a un alma de showman al estilo James Brown fue todo un éxito. Sus bailes lascivos con toques de flamenco y un aire gay desataban comentarios y gritos continuos en Apolo. Estuvo delicado en el soul, divertido y arrebatador en el Funky, bailón y “sucio” en el R&B. Lo dio todo y disfruto como un novato, y es que lo es, a pesar de contar ya con 63 primaveras. Solo un pero a su concierto, se alargó y repitió en exceso en la presentación de la banda que le acompaño.

     Asistir a este concierto fue como trasladarse en el tiempo muchos años atrás, cerrar los ojos y escuchar a Ottis Redding, a veces Janis Joplin, y abrirlos para ver movimientos de James Brown o Michael Jackson.

El listón está alto… a ver quien lo supera.

por Ardemo.

Mis 10 preferidas de Nacho Vegas (1ª parte)

Nacho Vegas es a día de hoy la figura más representativa de una nueva hornada de cantautores españoles , cantautores que ya no son aquellos reivindicativos de finales de los 70 que luchaban por una sociedad más justa. Los tiempos han cambiado y en la sociedad del bienestar ya no hay cabida para textos de lucha social.

Nacho Vegas (Gijón 1974) empezó su carrera en solitario en el año 2000 tras abandonar su anterior formación, Manta Ray, como cantautor se música oscila entre la distorsión indie y el minimalismo más básico donde unos pocos acordes de guitarra acompañan a extensas letras, letras que están llenas de referencias culturales y que normalmente giran sobre cuestiones personales o existenciales.

Hasta ahora, aparte de muchos EP`s, ha dado fruto a 5 trabajos de larga duración en solitario: “Actos inexplicable” (2001), “Cajas de música difíciles de parar” (2003), “Desaparezca aquí” (2005), “El manifiesto desastre” (2008) y “La zona sucia” (2011) y 2 discos de colaboración: “El tiempo de las cerezas” junto a Bunbury (2006) y “Verano fatal” con Cristina Rosenvinge (2007).

Sus influencias pasan por Leonard Cohen y Bob Dylan, como no podía ser de otra manera, y también por artistas oscuros mas como Nick Cave o Tom Waits.

Sin más aquí esta nuestra selección, 10 canciones para enmarcar, muy representativas de lo que este pedazo de artista es capaz, espero que disfrutéis.

10º La gran broma final: perteneciente a su último trabajo “La zona sucia” en esta canción hace referencia de manera irónica a su coyuntural paso por el mundo de la prensa rosa tras su idilio con Cristina Rosenvinge. Una cadencia lenta y redundante, muy a lo Vegas, envuelve esta enigmática letra.

9º Días Extraños: tema que abre el disco a medias con Bunbury. El día a día de una relación disfrazada de canción de carretera, y es que una relación es eso precisamente, un largo viaje en carretera.

8º Cazador: otro tema de “El tiempo de las cerezas”, un tema bastante animado de carácter autobiográfico: El Nacho Vegas más salvaje y desarraigado: “Vivía igual que un cazador, en soledad, sin fe ni amor, mi presa siempre estaba al otro lado”.

7º Reloj son manecillas: bellísima letra que muestra al Vegas más melancólico y eso es mucho decir. Las drogas como vía de escape, como única posibilidad de alcanzar cierta luz y paz. Pertenece a su hasta ahora último trabajo “La zona sucia”.

6º En la sed mortal: Vegas en su máxima plenitud: ritmo hipnótico y letra densa. Esta canción podría no acabar nunca, en ella Vegas pide redención sobre todos sus pecados. Pensamientos inconexos de una borrachera cualquiera.

Por Caarte.