Historia del pop/rock: 1965-69 a través de 10 discos (2ª parte)

Seguimos repasando la segunda mitad de los años 60 a través de sus mejores trabajos largos:

7º The Doors (The Doors). Surgidos en plena fiebre psicodélica y lisérgica, The Doors, liderados por el carismático Jim Morrison tomaron un camino inexplorado, una ruta sin huellas: un blues/rock de tintes tenebrosos e intelectuales. Los trabajos de este grupo californiano se asientan en los toques jazzísticos de Ray Manzarek (teclados) y John Densmore (batería), la excelente técnica de Robbie Krieger (guitarra) y los particulares y personalísimos poemas de Morrison, aunque lo que les convirtió en portadas de numerosos medios fueron también la actitud provocadora y el comportamiento rebelde y transgresor de su líder.

El disco tiene un comienzo glorioso con tres temazos donde el grupo muestra sus variados registros: “Break on trough” es una llamada a la acción para toda una generación, una proposición a huir del mundo real y trasladarse al mundo de las ideas y las drogas; “Soul kitchen” es un medio tiempo marca de la casa, el órgano de Manzarek y la guitarra de Krieger envuelven los versos nocturnos de Morrison; y “The cristal ship” muestra a los Doors más delicados y sentimentales, definitivamente uno de sus mejores temas lentos.

El disco continúa con versiones como “Alabama song” y “Back door man” o hits pop como “I looked at you” o “Take it as it comes” pero si este álbum de debut es recordado por algo es por sus dos principales temas: “Light my fire” y “The end”. “Light my fire” es su single más exitoso, una excelente melodía, unos versos muy Morrison y un largo desarrollo instrumental jazzísticos en medio del tema liderado primero por el teclado y después por la guitarra que alargan la canción a los 7 minutos. “The end” en cambio es lo menos comercial que jamás crearon los Doors, un tema de más de 11 minutos donde la batería, el órgano y la guitarra a modo de improvisación dan forma a la atmósfera propicia donde Morrison declama un extensísimo poema apocalíptico de carácter edípico, una verdadera composición épica donde encontramos al Jim Morrison más auténtico.

6º Beggars Banquet (The Rolling Stones): los Stones, tras una primera época de excelente rhythm and blues y rock & roll clásico habían pasado unos años un poco desconcertantes, tanto personalmente (problemas de Jagger y Richards con los juzgados a causa de las drogas) como musicalmente, su álbum de etapa psicodélica “Their Satanic Majesties Request” era muy forzado y disperso aunque tuviera una obra maestra como “She is a rainbow”. Tras este desconcertante paréntesis volvieron con la lección bien aprendida y nos regalaron este discazo lleno de rock, rythm and blues, country y actitud Stone, ellos eran los malos de la película, representaban el rock más salvaje y golfo, los riffs más calientes y gamberros,ellos eran los rolling stones o balas perdidas y querían volver a demostrarlo.

Con este lp se inicia la que para mí es la época dorada de los Stones,1968-1972 con 4 discos indispensables: “Beggars Banquet” (1968), “Let It Bleed” (1969), “Sticky Fingers” (1971) y “Exile On Main Street” (1972).

Como anticipo del álbum el grupo había sacado un primer single que arrasaría con todo:”Jumpin´ Jack Flash”, su riff inicial es leyenda del rock, los Stones nunca habían sonado tan duros, definitivamente habían vuelto por la puerta grande.

El disco se abre con la satánica y envolvente “Sympathy for the devil”, una polémica letra, un ritmo caribeño y Richards en estado puro y ya teníamos otro momento cumbre en la carrera de los Rolling Stones.

El toque country es muy evidente en el disco, así lo corroboran temas como “Dear doctor”, “Prodigal son” o “Factory girl”. “No expectations” es una balada acústica de primer nivel y el disco se cierra con una emotiva y entrañable “Salt of the Earth”. En medio del disco otro rock stoniano de toda la vida: “Street fighting man”, revueltas en la calle, riffs de guitarra geniales y Jagger dándolo todo en el escenario, puros Rolling Stones.

5º Something Else By The Kinks (The Kinks): este grupo inglés liderado por los hermanos Davies, Ray principalmente, era el tercer grupo en discordia en la tan nombrada invasión británica de mediados de los 60 a los Estados Unidos. La música de los Kinks se caracterizaba primordialmente por la asombrosa capacidad de Ray Davies para componer fantásticas melodías, solo al alcance de los Beatles. La temática a la que más recurrían eran las costumbres inglesas, reflejar los paisajes sociales más arraigados en las islas, sus comportamientos más comunes, y este disco en ese aspecto es un claro ejemplo de ello aunque sería en su siguiente disco “The Kinks Are The Village Green Preservation Society” (1968) donde este paisaje costumbrista alcanzaría su cenit. También podríamos haber elegido su ópera rock del 1969 “Arthur-Or The Decline And Fall Of British Empire”, otro formidable álbum como todos los del grupo en esta su época dorada pero al final nos hemos declinado por “Something Else By The Kinks” y lo hemos hecho por una sencilla razón, por su gran número de magníficas canciones, el trabajo es una excelente colección de temazos de un Ray Davies en plena forma.

Destacar algunas canciones por encima del resto sería una gran injusticia ya que lo mayoría son notables, sean estas delicadas piezas maestras como “Waterloo sunset”, “Two sisters”, “Lazy old sun” y “Afternoon tea” o juguetonas viñetas rockeras como “David Watts”, “Death of a clown”, “Harry Rag” y “Love me till the sun shines”.

Un disco indispensable que si en su día no fue un exitazo comercial como otros de sus discos fue debido a que le pilló en pleno nacimiento de la efervescencia psicodélica que encabezara el “Sgt. Peppers…” de los Beatles resultando el disco de los Kinks un poco desfasado.

4º The White Album (The Beatles): los de Liverpool llevaban varios años convirtiendo en oro todo lo que tocaban, editaban álbumes geniales sin parar: los eléctricos “Rubber Soul” (1965) o “Revolver” (1966), el psicodélico y referencial “Sgt. Pepper`s Lonely Hearts Club Band” (1967), la maravillosa colección de hits de “Magical Mistery Tour” (1967) y también los póstumos a la par que magistrales “Abbey Road” (1969) y “Let It Be” (1970). Cada fan de los Beatles tienen su favorito siendo “The White Album” uno de los que más unanimidad concentra entre la crítica.

En ese año de 1968 los Beatles ya no eran un grupo como antaño, las fricciones personales eras constantes y el espíritu de equipo se había esfumado dando paso a una colección de individualidades. Ello se hace patente en el disco de una manera aplastante ya que cada beatle por separado fue aportando composiciones propias, lo curioso de esto es que el resultado final no se vio afectado como cabría esperar, sino que acabó cristalizando en un fabuloso, épico y legendario disco doble de nada más y nada menos que 30 canciones.

Paul McCartney nos regala una rica variedad de estilos en sus canciones, las baladas que siempre fueron su especialidad están representadas en temas como “I will”, “Mother nature´s son”, “Blackbird”, “Rocky Raccoon”, “Martha my dear” o “Wild honey pie”, el rock duro corre por cuenta de “Helter skelter” o “Back in the U.S.S.R” mientras que el pop facilón y pegadizo es cosa de “Ob-la-di, Ob-la-da”.

George Harrison cada año gozaba de más protagonismo en el grupo y cada vez conseguía colar mas temas con su firma en los álbumes de los Beatles, en esta ocasión cuatro fueron sus composiciones destacando sobremanera “Piggies” y sobre todo “While my guitar gently sweeps” donde Harrison invitó a su gran amigo Eric Clapton a colaborar con su maestría a las seis cuerdas.

Por su parte John Lennon se muestra repleto de talento, su genialidad no tenía límites y sus creaciones siempre fueron muy particulares y únicas, su estilo no era tan ortodoxo o clásico como el de McCartney, lo suyo era distinto a todo y en este “The White Album” volvía a demostrarlo una vez más. La cada vez más frecuente guitarra desgarrada de Lennon aparecía en “Yer blues” al más puro estilo “Revolution ”, su talento superior se apreciaba en “Everybody´s got something to hide except me and my monkey”, “Glass onion” o “Happiness is a warm gun” mientras que su lado más sensible aparecía en “Dear prudence”, “Sexy sadie” o “Cry baby cry”.

Un grupo lleno de problemas y de magníficas composiciones, un álbum mítico, la exuberancia creadora hecha disco.

Por Caarte.

Historia del pop/rock:1965-69 a través de 10 discos (1ª parte)

En Acabando con la Cultura nos gusta mucho hacer repaso de épocas pasadas así como las listas, siempre subjetivas, por ello nos lanzamos a hacer repaso de la historia del pop/rock a través de sus álbumes y artistas más significativos.

El lustro que nos ocupa a continuación es aquel que va desde 1965 a 1969, un periodo apasionante musicalmente hablando, cinco años donde se afianzó definitivamente los sonidos surgidos en los periodos justamente predecesores. El pop/rock de grupos que estaba cambiando la juventud a ambos lados del Atlántico explotó definitivamente y ya nada sería igual, atrás quedaban el rock & roll y el rhythm and blues originales para dar nacimiento a un pop/rock mucho menos encorsetado del cuál surgirían multitud de ramas. Veníamos de los primeros discos de Dylan, Beatles y Stones y en estos cinco años acabaríamos oyendo country-rock con grupos como Credence Clearwater Revival, The Band, The Flying Burrito Brothers o Crosby, Still, Nash and Young; rock psicodélico surgido a rebufo del verano del amor californiano como The Mamas and the Papas, Jefferson Airplane, The Grafetul Dead; canción de autor, ya fuera desde un punto de vista reivindicativo o intimista como Bob Dylan, Joan Baez, Joni Mitchell o Leonard Cohen; las más grandes leyendas de la guitarra sacaban sus primeros trabajos: Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jimmy Page o Jeff Beck; pero sobre todo este periodo es territorio beatle, el grupo más grande jamás nacido daba lo mejor de sí en estos años y lanzaba al mercado año tras año discos que pasarían a la posteridad y ante los cuales la elección se hace prácticamente imposible.

Estos son pues los diez discos que, ante nuestros particulares gustos, trascendencia e influencia histórica y calidad contrastada, mejor representan está magnifica etapa en la historia de la música.

10º Fifth Dimension (The Byrds). No podíamos dejar a The Byrds sin su cuota de protagonismo en esta lista, ellos fueron la respuesta norteamericana a la invasión británica encabezada por Beatles, Stones y Kinks. En este periodo de tiempo sacaron numerosos lp´s pasando del pop británico imperante de la época al country-rock pasando por la época psicodélica. Su disco más éxitoso fue su primer trabajo “Mr. Tambourine Man” (1965) que les proporcionó su primer número 1 en las lista de singles versionando el famoso tema de Dylan, luego vinieron “Turn! Turn! Turn!” (1965), “Younger Than Yesterday” (1967), “The Notorius Byrd Brothers” (1968) o el definitivamente country “Sweetheart of te Rodeo “ (1968), pero nosotros nos quedamos con su disco de 1966 “Fifth Dimension”, aquí su principal líder Gene Clark les había abandonado por lo que tuvieron que coger las riendas, en cuanto a la composición, de manera definitiva sus otros dos escritores: Roger McGuinn y David Crosby nada más y nada menos.

La Rickenbacker de 12 cuerdas de Mcguinn sigue siendo el sello distintivo del grupo, así como sus voces al unísono, pero en este espectacular trabajo entran en escena los toques futuristas y la psicodelia que empezaba a emerger. En definitiva un discazo que todo el mundo debe conocer donde permanecen inmutables al paso del tiempo genialidades como las baladas “I come and stand at every door” y “Wild mountain thyme”, la hermosa “I see you”, la notable “Mr. Spaceman” de toque country o la archiconocida “Eight miles high”.

9º The Velvet Underground and Nico (The Velvet Underground). En los años 1966-67 todo era colorido, amor libre, optimismo vital, ganas de cambiar el mundo y su epicentro era la costa oeste, California, su capital: Los Angeles. Como contrapunto a esto surgió en la costa este, en Nueva York, The Velvet Underground, un grupo siniestro, tenebroso, pesimista y caótico, representaban la vanguardia más absoluta, incluso excesiva ya que no consiguieron ser un grupo con éxito comercial aunque sí de mucha influencia en generaciones venideras.

Liderados por John Cale y sobre todo Lou Reed, el repertorio del grupo estaba lleno de distorsiones, noise y letras duras y provocativas, representaban la contracultura al hipismo imperante en aquellos tiempos. Con estas credenciales no les era fácil salir adelante y llegar a tener cierta repercusión, eran demasiado raros y atrevidos como para poder firmar por una discográfica o editar un lp, todo ello cambió cuando el más famoso artista vanguardista del momento los vio y se encaprichó de ellos, era Andy Warhol y los fichó para su Factory, aunque eso sí, como líder del proyecto puso alguna condiciones como incluir a la rubia más famosa de la Factory en el grupo como vocalista: Nico, Reed y Cale aceptaron a regañadientes y de ahí nació el primer álbum del grupo: “The Velvet Underground and Nico” (1967).

El disco no se limita a sonidos y temas transgresores, como muestra de ello su primer corte “Sunday morning” una bella canción con una delicada melodía y un aire decadente. Pero tras este dulce comienzo ya nos encontramos con la agresiva e incorrecta “I´m waiting for my man”, el ritmo machacón de la guitarra acompaña la espera del yonkie a su camello. “Femme fatale” vuelve a los registros de “Sunday morning” mientras que con “Venus in furs” nos adentramos en un viaje hipnótico muy de la Velvet. Con “All tomorrow´s parties” y “Heroín” llegamos al punto álgido del disco, mientras la primera es un retrato de los personajes de la vanguardia neoyorkina, la segunda es una oda a la sustancia preferida del grupo, la heroína; un retrato acertadísimo de la sensación que provoca la droga en Reed donde este último escribe. “Heroín, be the death of me/Heroín, it´s my wife and it´s my life” realmente brutal.

Un disco con personalidad propia, un álbum grandioso que supone la cima de Reed como compositor junto con su disco ya en solitario de 1972 “Transformer”

8º The Songs of Leonard Cohen (Leonard Cohen). El disco de debut de Leonard Cohen no fue uno de los diez que más transcendieron en este periodo de tiempo que estamos analizando pero en Acabando con la Cultura no podíamos dejar pasar por alto este fenomenal trabajo de uno de nuestros artistas predilectos. Cohen venía del mundo de las letras, se había hecho un nombre en los círculos literarios canadienses gracias a sus libros de poemas y novelas. El florecimiento de cantautores que daban especial predilección a los textos sin necesidad de una buena voz le hizo a Cohen preguntarse ¿por qué no?, así pues el canadiense se convirtió en uno más de los que seguían el camino abierto por Dylan.

El disco en sí es un remanso de paz y melancolía, las canciones en su mayoría solo constan de la guitarra de Cohen y de su voz recitando sus hermosas, profundas y simbólicas letras. El álbum se abre con la ya mítica “Suzanne” donde el maestro dibuja con especial dulzura el deseo que despierta el sexo opuesto. “Master Song” y “Stranger Song” descansan sobre una cadencia tranquila y permanente mientras que “Winter Lady”, “Sister of Mercy” y “Hey, That´s No Way To Say Goodbye” ofrecen un poco más de luz y frescura dentro de unas bellas melodías y muy logrados poemas marca de la casa. El disco se completa con excelentes canciones del mismo tono minimalista entre las que resalta la romántica “One Of Us Cannot Be Wrong”

Por Caarte.

Analogías Cohen (2ª parte)

4- Closing time. Nocturnidad solitaria. Gajes de su oficio. El apartado 3 ha tratado sobre el amor, y aquí ya vamos directos a la belleza. Las mujeres de Cohen. El canadiense ha tenido claro el papel de las mujeres en su vida, diferenciando entre el interior y exterior. Belleza entrelazada. Descubrimos dos frases:

- “Where's the beef? "de un poder muy visceral y jovial. ¡La escribió con casi 62 años! Dudo entre el poder y el querer pero apuesto por el “poder” por mi condición de fan.

- “and I lift my glass to the Awful Truth which you can't reveal to the Ears of Youth” es el clímax de la canción. Belleza vs vejez.

Podríamos aquí englobar una canción que melódicamente me encanta y por letra encaja: “The Guests”. No podemos descartar "Sisters of Mercy" en este apartado tampoco. No creo que sea tan religiosa como parece. Tampoco sabría dónde colocar "Lady midnight", si en el apartado 1, 3 o aquí en el 4. Mejor en todos. Hasta en alguno de los siguientes tendría cabida.

5- Heart with no companion. Momentos duros, puede que de vacío o de duda. Homenaje a aquellos que se sienten incompletos o que no encajan. Ritmo ranchero que vuelvo a admitir que me encanta. El concierto de San Sebastián de 1988 es brutal (instrumento cuerda). Podría verse también como el talento no ejercido. ¿Tenemos todos algo de talento? Cómo lo sacamos? Si no sale a flote nos sentiremos incompletos, por lo tanto, vacíos. Otra versión más mística sería la pérdida de un ser querido en edad prematura. Cosa que incompleta y completa a la vez. A destacar por la triste simplicidad: “For the prima ballerina / Who cannot dance to anything”

6- Dance me to the end of love. Recuerda a Julio Iglesias. Admito que también “eso” me gusta. Los coros femeninos vuelven a darle todo lo necesario a su voz grave para que parezca cosa de dos. Junto con "I´m your man" expresan un deseo de unión incondicional con dos diferentes vertientes. En la primera hay respuesta.; en la segunda se espera una respuesta positiva y se convierte en un esclavo para ser invitado en la zona fronteriza. Habla de deseo de... Dudo que hable de amor convencional.

7. Who by fire. Toca religión. Sólo mencionaré una frase de la canción: “and who, who shall i say is calling?” y el tema entero de "Lover lover lover" (klezmer)

8- Canciones de cabecera:

"If it will be your will". Canción de cuna. Los coros femeninos de las Webb Sisters son sublimes. Si algún día tengo un bebe escuchará esta canción cada noche y seguro que será más feliz (¡incluso lo recomiendo en la etapa de gestación también! Risas y música en ese periodo = gen optimista.

"Take this waltz" (Federico García Lorca) cuando asisto a bodas y ponen el primer vals me torturo siempre pensando “¿cómo es que no ponen la de Cohen? Un día me casaré sólo para darme el placer de hacerlo!”

Me gustaría añadir mis versiones recomendadas: Nick Cave con "Suzanne" y Teddy Thompson con "The future".

Un saludo para el “Canadien Errant”

Por Tomarasp.

Top Canciones Nacionales 2011 (2ª parte)

Vamos a por el Top 10. Recordad que los titulos son links de Spotify.

10-. Odio París – Cuando nadie pone un disco. La escena indie barcelonesa está en su esplendor. Abren su disco homónimo con este corte donde se aprecía que la sombra de Los Planetas en la música independiente española es muy larga.

9-. bigott – Cannibal Dinner. El zaragozano nos regala este discazo que es "The Orinal Soundtrack", que gran título. Aquí con acento ruso y ese aspecto tan peculiar nos hace mover las caderas. Todo un personaje este bigott. El videoclip es como la canción, te transmite un buen rollo inigualable.

8-. Manel – Benvolgut. Consiguieron ser número uno en ventas en España cantando en catalán, todo un logro. O un indicativo de que en Cataluña se vende más música, o de que apenas se vendén discos... Reminiscencias de Sisa, de "Qualsevol nit pot sortir el sol", ritmos puros pop.

7-. Chinese Christmas Cards – Dreams. Los vimos hace un año en un pequeño concierto en el Teatre Antic y ya se intuía que iban a dar  que hablar. Solo con un mini-LP en el mercado se aseguran presencia en festivales de verano. Dreams es un hit de discoteca indie, pop de influencia sueca.

6-. Eladio y Los Seres Queridos – Miss Europa. Galicia calidade. Uno de los temas mas lentos de "Están ustedes unidos", una maravilla, sencilla pero precisa.

"Estrella tu vida otra noche en las rocas,

nos va a dar igual,

si cuando desfilas parece que flotas.

5-. FERNANDO ALFARO – Extintor De Incendios. Alfaro vuelve al altar de la música donde nunca debió bajarse. Vuelve a estremecernos con letras como ya hacia en Chucho y saca lo que quizás sea su mejor álbum. Cuanto ha dado Fernando Alfaro a la música española, desde Surfin´Bichos hasta la actualidad, que dure. Aqui tenemos una nana incendiaria cantada desde dentro de un ataud que nos lleva al infierno.
"Pero mirad como me agarro a mi cuerpo,
nunca sentía la vida
como ahora que la pierdo"
"Si he de pagar por todo lo que he hecho
traedme sin faltar un extintor de infiernos"

4-.Christina Rosenvinge – Cancion del eco. Nos gusta mucho mas cuando canta en castellano. Cuando nos susurra al oido mitos como este de la ninfa Eco y su amado Narciso, cuando el eco nos envuelve. La más coheniana de sus canciones (véase "Story of Isaac"). Una canción que gusta a abuelas y a bebes por igual. Un single peculiar de más de seis minutos.

3-. Nacho Vegas – La gran broma final. En este blog somos férreos seguidores de Nacho Vegas y nos alegramos que vuelva a recuperarse tras en nuestra opnión su disco mas flojo "El Manifiesto Desastre". En "La Gran Broma Final" recupera el tono de sus canciones mas épicas, esas que parecen que nunca va a acabar, con ese tono irónico derrotista.

2-. Abraham Boba – Cosas que duelen. Si consigues aunar lo mejor de Nacho Vegas en su musicalidad y en su manera de envolver las canciones en bucles interminables y las letras irónicas y meáfóricas de Sr Chinarro, entonces obtienes al Boba de "Los Dias Desierto". En este corte nos enumera una seria de cosas que duelen pero no hacen daño. Una rima impecable, un humor a lo Krahe. Hemos citado a Vegas, Antonio Luque y Krahe... para que mas. Simplemente perfecto.

1-. Vetusta Morla – Los días raros. "Mapas" es un disco complejo, no tan directo como "Un Dia en el Mundo", necesito mas escuchas, tiene mas matices. Y "Los Dias Raros" es el mejor ejemplo. Incluso los componentes del grupo parecen asombrados de la acogida que ha tenido este tema. Ha ido creciendo, madurando y metiéndose en la cabeza de muchos de nosotros. Para mi es sin duda la mejor canción de los madrileños, y una de las mejores de los últimos años en la escena indie patria. En Razzmatazz cuando aun no se habia publicado el disco y no había escuchado ninguna canción del mismo salieron al escenario y abrieron con "Los Dias Raros", la sensación fue unánime, ya merece la pena haber pagado la entrada. Un "in crescendo" desde el susurro inicial al despliegue a lo Wilco final, una atmósfera envolvente, rica en detalles pero fina y sencilla en la ejecución. Una pieza maestra de seis minutos y medio que acaba con un vendaval de voz de Pucho que te hace estremecer. Señores... dadle al play y cerrad los ojos, Vetusta Morla han vuelto.

"nos desnudaremos en la intimidad con la punta del zapato".

por Ardemo.

Analogías Cohen (1ª parte)

Con el permiso del blog me dispongo a escribir el cuarto artículo sobre Leonard Cohen.

Empecé tarde a conocer su discografía y confieso ser un novato ya casi devoto.

No hay artista que haya provocado tanta unanimidad en muchos de mis dormidos sentidos artísticos y eso que no he profundizado todavía en más de 20 canciones suyas.

El objetivo de este texto es hacer una analogía entre algunos de nuestros ciclos vitales comunes y distintas canciones de su obra.

Como ya dijo Caarte, la interpretación de su lírica y de muchas otras de otros artistas es subjetiva. Cada uno percibe la canción como desea y promuevo que puede haber muchas visiones ante una misma letra. Y en la música es preferible no debatir esas sensaciones (máxime compartir), sin embargo no sucede lo mismo con el Séptimo Arte o la Literatura.

Empecemos:

1- Suzanne: de las mejores historias narrativas que he leído nunca. Interesante interpretación, inmaculada recitación y melodía perfecta. La canción sin fisuras. Me gusta pensar que mientras vamos avanzando por el camino de esto que llamamos “vida” vamos encontrando a algunos seres que nos fascinan y que tampoco podemos “poseer” por tener distintas coordenadas de espacio/tiempo (nómada vs sedentario). Platónicamente la imagen permanecerá siempre así de pura. Y esa es la mejor recompensa cuando miramos hacia atrás. Sin erosión no hay desgaste. Esa es una de sus tristezas aceptadas. La mención religiosa de Jesús es todo un misterio pero cada uno allá con su percepción. Yo tengo la mía muy clara y guardada. Keep the secret.

2- The partisan. Mi favorita. Evidentemente el himno de la resistencia francesa no es suya. A día de hoy, los nazis serían metafóricamente el capitalismo, instalado en esta sociedad donde el estado es una marioneta de las grandes multinacionales bursátiles. Ahora los “buenos” somos superiores en cantidad (¿zombis?) pero inferiores en armas contra estos dos estamentos (empresa/estado). ¿Resistiremos de alguna forma buscando algún recoveco bajo un coto privado (poder vs alma)?.

Lo único de francés que conozco es gracias a las sencillas estrofas de esta canción, por su simplicidad al contar tal atrocidad de principios de los años 40. En negrita, lo más significativo, y cuando es cantado por los coros femeninos que acompañan en las últimas décadas a Cohen, alcanza un sabor celestial de lucha. ¿Somos partisanos?

Les allemands etaient chez moi,
Ils me dirent, signe toi,
Mais je nai pas peur;
Jai repris mon arme.
Jai change cent fois de nom,
Jai perdu femme et enfants
Mais jai tant damis;
Jai la france entie`re.

Me recuerda también a la escena de de aquella serie de televisión sobre Kunta Kinte cuando lo torturaron para que se autonombrase "Toby” y no cedió.

“The future” podría ser añadida en este apartado pero sin ya esperanza alguna de victoria individual y mucho menos corporativa (jai la France entière), porque el mal no está claramente disfrazado como estaba el fascismo ocupando casi toda Europa para crear el Reich definitivo. Es mucho más vasto e incluso invisible. A destacar: “I was the little Jew who wrote the Bible”.

3- So long Marianne // Hey, that´s no way to say goodbye. ¿Cuándo se termina una relación duradera? La dificultad reside en que las dos partes estén balanceadas, siendo o no siendo así, sigue siendo traumático por lo que podría haber sido y por lo que ha acabado siendo. Cohen puede ver la finalización como la iniciación. Nacer y morir es lo mismo. A destacar: “I never said I was brave” “I forget to pray for the angels”

Las dos canciones son primas hermanas lejanas. En la primera, parece que ha habido más fondo; en la segunda, más forma. Todas con gran respeto hacia con quien has compartido tráfico y alcoba. "Tonight will be fine" es cronológicamente muy posterior a la ruptura, el reencuentro sin reproches.

Y el residuo final, o la moraleja, es ser parte de alguien. Haber sido parte de alguien. La suma de esas partes es una de tus herencias seguras.Y "The Gipsy ´s wife" refleja este argumento citando frases como:

“And there is no man or woman who can be touched,
but you who come between them, you will surely be judged.
So where, where is my gypsy wife tonight?“

La canción opuesta sería “There is a war” donde se distingue que nadie se percató de terminar a tiempo. Musicalmente country. Todavía hay algunos que admiten que les puede gustar el country. Yo soy uno de ellos.

Por  Tomarasp. (Colaboración)

Nacho Vegas y amigos

Palau de la Música. 27 de enero de 2012.

     Lo advirtió el propio Nacho al dirigirse al público por primera vez: “van a ir subiendo unos amigos, a tocar canciones de amor y resistencia”. Y en eso consistió el concierto, en la combinación de la temática estrella del asturiano, el desamor, con la nueva tendencia del nuevo Nacho Vegas, el más implicado políticamente, como demuestran algunas de las canciones de su último EP, “Cómo Hacer Crac”.

     Apareció en el Palau de la Música de riguroso negro, quizá como muestra de duelo por los clásicos de su repertorio que no sonaron en directo y que muchos echaron de menos. Debo decir que algo de miedo sí me daba presenciar un concierto reivindicativo en el que sonaran canciones tan flojas como “Dos Bandos”, pero en mi opinión creo que el asturiano acertó al tirar de versiones (embellecidas más si cabe por sus “amigos”) a la hora de enfrentarse a este tipo de temas de claro corte político.

     Después de abrir el concierto con “Cuando te canses de mí” y “La Gran Broma Final”, dos de sus mejores temas pertenecientes a “La zona sucia” (con pequeño percance incluido al descolgarse la guitarra en medio de la actuación, solventado rápidamente por un ayudante mientras seguía cantando) sorprendió con “La Fiesta”, la primera de “Cómo hacer Crac” que interpretó. A continuación invitó a Raúl Fernández de Refree al escenario con quien, mano a mano, entregaron “Los dos gallos”, de Chicho Sánchez-Ferlosio, que sonó emocionante y eléctrica a la vez.

     Antes de invitar a Fernando Alfaro (no habría estado mal que el de Albacete se marcara algún tema de su último trabajo, “La Vida es Extraña y Rara”), Nacho interpretó “Marquesita”, también de “Cómo hacer crac”, una de sus joyas intimistas totalmente alejada de cualquier sabor político. Ya con Fernando en el escenario sonó “En el pozo de María Luisa”, un tema perfectamente enmarcable en el proyecto Lucas XV que tiene Nacho con Xel Pereda, ya que se trata de una canción popular asturiana, un himno de los mineros.

     Salió Alfaro del escenario y llegó el turno de la canción que da título al EP, “Cómo hacer crac”, antes de que sonara una de las perlas de la noche que Nacho ha incorporado últimamente en su repertorio en directo: “Hablando de Marlén” (de “Esto no es un salida”, qué joya de EP, por cierto). Aquí el asturiano dio una clase magistral de interpretación arropado por sus músicos que estuvieron perfectos a la hora de llevar el ritmo que la historia de Marlén requiere, hasta el trágico final.

     A continuación se encadenaron tres temas con Mar y Alicia Álvarez, de Pauline en la Playa; la versión en bable de “El partisano”, del maestro Leonard Cohen (que a mi juicio, aunque sonó muy bien, fue demasiado festiva para lo que la historia describe), y “perplejidad” y “taberneros”, de “la zona sucia”, otros dos temazos que ganan con los coros de las chicas de Pauline, “que para eso están” ( Nacho dixit )

     Le tocó el turno de subir al escenario al “último amigo” de Vegas; Roberto Herreros, y se atrevieron con el clásico “This land is your land”, de Woody Guthrie, aquí adaptada al castellano. A lo largo de la canción se fueron incorporando todos los participantes para acabar a lo “Mocedades” (otra vez, Nacho dixit ) y dar por terminado el concierto.

     -“¿ya está?”, “¿apenas 12 canciones y ya se quieren ir?”, estos fueron los primeros comentarios que se oyeron a mi alrededor (aparte del “estás flipando ¿nooo???” que se me escapó a mí, claro.) Pues sí, la única nota negativa del concierto fue su brevedad. Todos, Nacho, sus músicos, los invitados, desaparecieron, dándonos tiempo a reclamar otra vez su presencia en los consabidos bises.

     Después de los aplausos de rigor, apareció Nacho sólo, y guitarra en mano, nos brindó una de las más sentidas interpretaciones que se hayan visto del asturiano de la que para mí es su mejor canción: “Ocho y medio”, del “Desparezca Aquí”. El viernes no era el día propicio para desperdiciar el bis con la trillada “El hombre que casi conoció a Michi Panero” seguido de la desubicada “El Mercado de Sonora” y adiós, este concierto no era para eso. Tanto es así, que la sorpresa mayúscula de la noche fue, ya con sus músicos, concluir con “La noche más larga del año”, del mismo disco que la anterior, una composición cien por cien Vegas, de un dramatismo extremo, a la cual curiosa e inexplicablemente muchos seguidores no han prestado la necesaria atención. Soberbio broche a un concierto corto en canciones, que nos dejó a todos con ganas de más, aunque amplio en belleza y emoción, de impecable factura.

     Una vez más, Nacho, fuiste breve, te extrañaremos, y hasta que te volvamos a ver, nos dolerá....

por Berto (colaboración).

fotografía: Miriam Robles.

Top Canciones Internacionales 2011

     Seguimos con el repaso a lo mejor del año 2011. En esta ocasión empezamos revisar las que en nuestra opinión fueron las 25 mejores canciones internacionales. Esperamos crear polémica. Recordad que cada canción es un link a Spotify, perfecto para poder escuchar uno a uno los temas de esta lista mientras leeis y disentís.

25-. Mogwai – San Pedro. En un disco de Mogwai es dificil quedarse con una canción separada del resto porque entienden cada trabajo como un global, un concepto, y así es como llega a los oyentes. Elegimos esta, pero que cada lector se sienta libre de sentir que debería haber sido otra.

24-. Anna Calvi – Suzanne And I.

23-. R.E.M. – We All Go Back To Where We Belong.

22-. Kurt Vile – Jesus Fever. Discazo de americana el que nos ha brindado Kurt Vile este año. Preciso el titulo del álbum (Smoke Ring for my Halo) como un anillo de humo nos envuelve ese ambiente que crea en todo el disco, como en este tema.

21-. Radiohead – Lotus Flower. Se siguen reinventando en cada álbum de estudio, siguen dando una vuelta más de vuelta a la música moderna. Aunque quizás este lejos de su cúspide musical y sea demasiado el peso de Thom Yorke en esta elaboración, nos siguen encantando y Lotus Flower nos hipnotiza.

20-. Death Cab for Cutie – You Are A Tourist. "Codes and Key" aparece para recordarnos que el cuarteto norteamericano nunca se fue y siguen en el altar indie. Nos siguen brindando himnos como este You are a Tourist. Parecen en un momento dulce de su carrera y Gibbard debería sentir lo mismo sobre so momento personal... ya nos gustaría a muchos que Zooey fuera nuestra musa y tenerla tan cerca.

19-. Girls – Honey Bunny.

18-. Wilco – Dawned On Me. Rozan la perfección en cada directo, en cada ábum de estudio, en cada tema. Los de Chicago nos dan el placer de saborear otro largo exquisito, "The Whole Love". Difícil quedarse con un tema, el disco en si es un conjunto dificilmente separable y cada corte es muy distinto entre sí. No hay mucho que decir... solo escuchar. Si alguien no conocía los NPR Tiny Desk Concerts aqui tiene una muestra con Wilco. Unos acústicos de altísima calidad e íntimos.

17-. Destroyer – Kaputt. Gran álbum el de los canadienses. Sutileza y clase la de Dan Bejar. Suena ochentas con esos saxos que te envuelven. Precioso tema este Kaputt. El videoclip... no os lo perdais, de verdad.

16-. Fleet Foxes – Battery Kinzie.

15-. St. Vincent – Cruel. ¡Como nos gusta Annie Clark! Y cuanto disfrutamos de este tercer álbum de St. Vincent. No hay mas que recordar su perfecta actuación en el Primavera Club. Cruel sobresale por encima del resto de canciones, se acercan a la pista de baile. El videoclip que lo acompaña dirigido por Terry Tiemly es excelente.

14-. Ryan Adams – Lucky Now. Muchos habiamos perdido la esperanza de que Ryan Adams volviera a deleitarnos con un gran largo como hizo hace unos años. Sin embargo, aqui ha vuelto el prólifico compositor, un toque menos rockero, más íntimo, mas cantautor. Un disco simple pero sincero que nos llega incluso en una primera escucha. Este tema nos evoca a un Bruce Springsteen solista.

13-. Adele – Someone Like You. Sabemos que nos caera palos de los más puristas, de los que defienden que lo comercial no es tan elogiable (entre ellos, por desgracia, me incluyo), pero hay que reconocer que la voz de Adele ha sido uno de los puntos destacables en la música este año. Como las mejores cantantes de soul te pone los pelos de punta con sus versos de amor acompañada de ese piano. Un gran estribillo que hemos oido en cada rincón este año. Un tema que esta en todas las listas, incluso de las revistas más prestigiosas, y que Acabando con la Cultura no quería eludir. Otro NPR Tiny Desk Concert que te hace temblar.

12-. Noah And The Whale – Waiting For My Chance To Come. Un disco que ha pasado lamentablemente desapercibido en nuestro país. Bastante distinto al gran largo "The First Days of Spring", mas pop, mas guitarra y menos envoltorio.

11-. The Pains Of Being Pure At Heart – Heaven's Gonna Happen Now.

10-. Noel Gallagher´s High Flying Birds – If I Had A Gun.... ¿Hay vida tras Oasis? Noel desvela la duda con High Flying Birds. If I Had a Gun tiene un inicio brillante al más puro estilo Oasis, ¿alguien se ha olvidado de los primeros acordes y frases de Dot Look Back in Arger o de Wonderwall? Pues aqui esta este temazo para rememorarlo. Un videoclip maravilloso, casi una película en él mismo.

por Ardemo.