viernes, 17 de abril de 2015

Ladies and Gentleman: Cohen & Friends

Siendo Cohen ya un sospechoso habitual en este blog, vuelvo a la carga con mi segundo artículo sobre él. Me repito, lo sé, pero cada uno tiene su debilidad. Y Cohen es la mía. En setiembre cumplirá justo 81 años. Y no por ello está inactivo, todo lo contrario. Sus dos últimos álbumes datan 2012 y 2014. Una frecuencia entre álbumes muy corta viendo el intervalo en su historial de trabajos anteriores. El antepenúltimo fue editado en 2004. Sinceramente no he analizado todavía estos 3 álbumes, por lo que nos centraremos  en su trayectoria anterior, emprendiendo un viaje en el tiempo para intentar ver su recorrido hasta a octogenario y  su progresión para mantenerse todavía en un estado creativo pasional latente.
Este intento de regresión  se hará combinando la obra de Cohen asociada a las personas que se cruzaron en su vida e influyeron personal y artísticamente.  En esta telaraña de personajes y acontecimientos anárquicos, veremos sus visones más privadas respecto a su ser, y también claro, respecto al mundo que nos rodea y sus variables más importantes que a la vez nos condicionan.
La estructura será cronológica para facilitar pues su lectura.
Sus inicios fueron más bien musicales. A los 16 años formó la típica banda juvenil con dos amigos más, llamándose los Bucksin Boys, donde tocaba la guitarra. De esta etapa embrionaria surgieron algunos temas que después de 20 años grabaría como por ejemplo Tonight will be fine y Passing Thru
Década 60
Más tarde, después de la época estudiantil, se movió en un ámbito literario poético “beats” en Montreal. Dada su clase media no fue aceptado totalmente por los bohemios “auténticos”. Él era un poeta/escritor judío y encima, de clase burguesa.
Su influencia literaria más importante fue Lorca. Además hay muchos paralelismos entre ellos, cito algunos:
-          estudiaron en la misma universidad de Columbia en New York. Lorca en 1930.
-          Curiosamente acto seguido Cohen se fue a Cuba como también hizo Lorca, el cual escribió “esta isla es el Paraíso. Si no me encuentras, búscame en Andalucía o en Cuba”
-          No es muy sabido que Lorca escribía también canciones y dibujos (autorretratos y acuarelas). Actualmente Cohen se levanta y lo primero que hace es un autorretrato.
-          La hija de Cohen se llama Lorca en su honor. Además es muy original como nombre propio femenino.
Lo primero que leyó Cohen de Lorca a los 16 años fue “el Diván del Tamarit
“Por el arco de Elvira / Quiero verte pasar
Para sufrir tus muslos / Y ponerme a llorar
Lorca cambió mi manera de ser y pensar de un modo radical, sus libros me enseñaron que la poesía podía ser pura y profunda a la vez que popular”
Otras de las principales influencias literarias fueron Irvin Layton, Yeats, Jeffers Robinson, Walt Whitman, Ibsen y Albert Camus.
De ellos, Irvin Layton, se convirtió en uno de sus mejores amigos,  “éramos de generaciones distintas (Rumania 1912), yo entonces trabajaba en una fábrica textil y le enseñé a vestirse. Él me enseñó a vivir eternamente” ¿no es ésta una gran frase para un amigo? El mentor luego se dejó seducir por el duende del pupilo y le resumió  con un toque de humor: “Cohen es un narcisista que se odia a sí mismo”
Layton aportó a la obra de Cohen el carácter energético y apasionado de una voz judía de oposición, enlazando lo profético con lo sexual. Y para el joven Cohen esas dos vertientes eran el motor principal en su mundo interior.
Sobre su visión del mundo exterior, ya en temprana ebullición creativa escribió a Layton en 1963 un frase premonitoria: “todo está roto…Gurdjieff* tenía razón cuando gritó desde su lecho de muerte a sus plañideros seguidores: “¡Abandonad el Sistema!”  Esta visión externa perdurará y se confirmará más aún mientras las décadas van avanzando.
Layton decía que un poeta está en conflicto permanente y que es en su obra que reconcilia esos conflictos. Ese lugar es el retiro, el consolumentum, el beso de la paz.
En esa época látigos como este entre los poetas ociosos eran comunes:
“he oído que hay un hombre / Que dice palabras tan bellas
Que con sólo pronunciar sus nombres / Las mujeres se le entregan”
Era la  Ley, decían: reunirse, hablar de poesía u otras cosas, beber y sexo.
Sobre su fama de mujeriego dijo un día a posteriori “mi reputación de mujeriego fue un chiste que me hizo reír con amargura las 10.000 noches que pasé solo”.  Parece una frase muy de Sabina.
Otras referencias orientales y muy potentes para Cohen fueron y son todavía:
Kabir: poeta espiritual de maestro hindú y musulmán. 1440-1518
Rumi: poeta místico sufí fundador de la orden de los Derviches Giróvagos en la ciudad persa de Konia. Algunas metáforas en temas como “the Guests”  y “The Window” provienen de esta fuente. 1207 -1273
Attar: poeta místico persa, expone la doctrina del sufismo. 1119-1190
Osho: fue un místico, orador, líder espiritual indio y fundador del movimiento Rajnishe, considerado también como una secta. 1931-1990
Al escribir este artículo me detuve con estos escritores y hurgando un poco en sus textos comprendo que necesito alguna vida más para empaparme de ellos. Al final del artículo podréis ver, por ejemplo, los 10 Mandamientos de Osho*, el cual tuvo una vida muy muy movida y os invito a invertir algo de tiempo en estos pensadores lejanos en espacio y tiempo. 
Es archiconocido ya en los inicios de los 60´s, que Cohen era un policonsumidor contrastado, incluso por su propia banda fue llamado Capitán Mandrax. Opiáceos sobretodo y dejó alguna perla como esta: “Pierdes el rastro del tiempo. Pero encuentras la Eternidad”. Según Rimbaud es una tradición de “los poetas malditos” para experimentar poéticamente y expandir la imaginación.
A Cohen le ayudaron para combatir sus profundas depresiones generadas mayormente por el conflicto entre el deseo de ser artista y las obligaciones de una vida de clase media. Periódicamente pasaba de una frenética fase maníaco creativa e intensa actividad social y sexual a otra de indolente retiro, cansancio y ansiedad.
Durante más de una década se atiborró y consiguió salir de su adicción, cosa que muchos de sus coetáneos no pudieron y desgraciadamente la mayoría murió antes de los 40. Como podéis observar todos los nombres propios están marcados en negrita, pues a los que no pasaron de los 40 los señalaré en color rojo (el verde se visualiza peor)
En 1963 se estrenó como novelista, The Favorite Game y hasta fue comparado con Henry Miller y James Joyce. Un año más tarde escribió su segunda novela: Opio y Hitler. Así, sin darnos cuenta, nos hemos convertido en “hitlers” y “eichmanns” que existen en la legalidad y, para salvarnos –como diría Dylan- debemos vivir fuera de la ley.
Cohen convierte pues en héroes a los freaks, pervertidos, revolucionarios, drogadictos, no porque tengan brillantes armas sino porque tienen magnificas heridas.
Su tercera novela Beautifull Losers tuvo críticas gloriosas. Sin embargo, ya en 1966 se percató rápidamente que no podía llegar a final de mes con el sustento de escritor, y quiso con alguna reticencia personal y sobretodo de entorno, cantar sus poemas con una guitarra. Y su destino para ejecutar su metamorfosis era New York.
Marianne y su hijo de otra relación vivían con Cohen, la mayoría del tiempo en la preciosa isla griega de Hydra. Dos años después de la llegada a NY, se rompió la relación que duraba ya unos 6 años.
Fue una ruptura muy dura, la prueba es la canción “So long Marianne” tras la separación. Llegó a decirle a su editor respecto a su fracaso matrimonial:
“el tiempo se llena no tanto de violencia sino de mentiras…me siento desgraciado y deseo incluso las mujeres feas, quiero la desnudez, no quiero hablar con nadie que no esté desnuda…Reconozco que lo que quiero de una mujer es ultrajante, y empiezo a ver lo hilarante y justo que es que nadie me lo dé”

Pero para terminar con Marianne, Cohen a posteriori escribió un poema “Días de bondad”:
“Lo que amé en mi vieja vida / No lo he olvidado
Vive en mi espina dorsal / Marianne y el niño
Días de Bondad
Me sube por la espina dorsal / Y se manifiesta en lágrimas
Rezo para que un cariñoso recuerdo / Exista también para ellos”
También con una edad mucho más madura dijo sobre el Matrimonio en general: “tuve todas las obligaciones matrimoniales, pero muy pocos de sus privilegios. De todas maneras, he sido rescatado muchas veces, aunque he sido despedazado por este mundo, y estoy siendo despedazado, y te hablo mientras me agarro a una caja de naranjas en medio del Diluvio”
Estando ya en NY conoció afortunadamente a Dylan, Joan Báez y Phil Ochs. Este encuentro retrasó positivamente su viaje a Nashville.  
Es gracioso como comenta su experiencia en los primeros castings como cantante tipo: “a ver tú, ponte de pie, date la vuelta, eres un poco viejo para esto, ¿no?” Pero conoció a Judy Collins  y se relacionó luego con John Hammond, descubridor de Dylan, Billie Holiday y Aretha Franklin entre otros.  La aceptación fue inmediata. Hammond fue el primer productor musical de Cohen.
Hammond pensó que si un cantante como Dylan era aclamado como poeta, un poeta como Cohen podría triunfar como cantante.
Simultáneamente en otro efecto dómino conoció, básicamente enclaustrados en el mítico Chelsea Hotel, a la tropa de Andy Warhol y John  Cale (fundadores de la Velvet Underground), Jackson Brown, Janis Joplin y Tim Buckley. Casualmente su hijo Jeff Buckley bordó una versión de Hallelujah años más tarde. Los dos murieron jóvenes y en un sublime tema del padre, Song to the Siren, visualizó una muerte en un océano con una Sirena y así fue como murió su hijo años más tarde, en el Mar. Sin palabras.
Y de la mano de J.Collins se estrenó delante de casi 20 mil personas en el Newport Folk Festival. Fue un éxito.  Otro patrimonio que sacó Cohen de Collins fue que le presentara al cantautor más influyente en lengua francesa: Jacques Brel
Y llegó su primer álbum en 1967: Songs of Leonard Cohen. Empezó pues esa inevitable relación amor/odio con sus productores y la CBS. Por ejemplo, sin ir más lejos, uno de ellos propuso introducir el piano en Suzanne. Esa guerra la ganó Cohen.
Cohen era ya un cantautor por derecho propio en la escena musical folk. ¡Misión conseguida!
Y tras consejo de Bob Johnston, productor también de Dylan, Cash, Roy Orbison y Simon & Garfunkel, fue finalmente a Nashville a juntarse con músicos de alta gama. Es curioso nombrar que donde vivió alquilado era la casa de Bryant Boudleaux, autor de muchos temas de los míticos Everly Brothers.
Esos instrumentistas se llamaron “The Army “, una banda formada principalmente por primeras espadas como Charlie Daniels, Charlie McCoy y Ron Cornelious. Estos fichajes se resumen así: austeridad con un birimbao, instrumento popularizado por el binomio Ennio Morricone y Sergio Leone, delicado órgano y una presencial armónica como guinda.
Viviendo en esa cabaña con su mujer por aquel entonces, Suzanne Elrod (Winter Lady)  engendró Songs From A Room (1969), fue el disco de las formalidades revolucionarias y de los cuchillos, las hachas, los bisturís y las agujas. Hay dolor y desespero en la voz. Y alcanzó la fama musical con sus mordaces letras sobre las obsesiones impuestas en esa época: libertad, drogas, política, aborto, suicidio, guerra, historia, soledad y  el amor.

Década 70
Justo en 1970 fue muy mística su actuación en el festival de la Isla de Wight (3 días, 300.000 personas). Y actuó después de la “incendiaria” actuación de Jimi Hendrix, hacia las 4 de la madrugada lleno de Mandrax. A destacar el violín celestial de Charlie Daniels.
Tras la resaca, la presión era voraz. El éxito indigesto. Y volvieron las depresiones más profundas y prolongadas. Se desmoronó. Probó varios remedios durante otra década, del LSD a la cocaína, de la Cienciaologia al I Ching.
Y sale su tercer disco, Songs of Love and Hate  1971, repite el productor Bob Johnston, que también tuvo como cliente Elton John y puede que por eso cantasen juntos el tema “born to lose” ya en 1993, inmortalizado también por Ray Charles ni más ni menos.
Hay un tema en este álbum relacionado con el suicidio vinculado con sus depresiones crónicas: Dress Reheearsal Rag, Un tema que Cohen escribió mucho antes y nunca se atrevió a publicar. Es una canción que Cohen se había prohibido interpretar salvo en ocasiones de extrema alegría, “cuando sé que el paisaje podrá soportar el desespero que voy a proyectar en él”.  Existe también una versión de Nick Cave.
En esa época tuvo otra musa llamada Nico, y fue de las pocas que lo rechazó, y además por pesado. Nico fue tutelada por Andy Warhol y además en su haber tuvo este elenco de amantes: Jackson Browne, Lou Reed, John Cale, Dylan y Jim MorrisonCohen le dedicó dos temas: Take this Longing y Joan of Arc. La sordera de Nico influenciaba sobremanera su tipo de cante, cosa que seducía enfermizamente a Cohen. No consiguió conquistarla pero sí la convirtió en vegetariana. Murió en Ibiza con 40 años con muchos excesos como bagaje.
Esta aura confirma que este último álbum es el más profundo y desolador de todos los anteriores.
Las metáforas se expresan como coágulos, Cohen tocaba fondo: corazones rotos, recogiendo lluvia, buscan su “famoso impermeable azul”
“Nada curará y nada se helará / pero quizá un corazón recoja lluvia”
Comercialmente no fue bien en América, mejoró algo en Europa pero sigue orgulloso de su trabajo.
Un ejemplo de su fragilidad emocional fue durante su gira del 1972 en Israel. Mientras canta “So Long Marianne”  se echa a llorar durante la actuación porque alucina en ácido al ver la masa del público convertida en un inmenso rostro judío que sufre. Debe interrumpir el final de la canción y se retira a su camerino. Hay un video como prueba. Pelos de punta. https://www.youtube.com/watch?v=TNvRyzUPm-Y
El amor con su actual mujer Suzanne se tambaleó con ya dos hijos en su haber. Y recayó otra vez en las depresiones/drogas y fue entonces cuando conoció al maestro japonés llamado Roshi, quien fuera luego un personaje clave en su bienestar psicológico años más tarde como ya veremos. Sus vaivenes en el centro Zen son legendarios junto con su implicación posteriori con los centros de meditación de su maestro.
“no admitía el hecho que otros seres vivos reivindicaran legítimamente mi atención” dijo sobre su segundo matrimonio.
Curiosamente en los lives demostró su capacidad de improvisación y energía. Todos visualizamos en nuestras retinas la típica estampa de  Cohen bastante inmóvil de pie sujetando su guitarra, tipo Nina Simone con su piano.  Un ejemplo digno e histórico son los 13 minutos de Please dont pass me by 1973. Una canción con mucha temática, mucha fuerza, mucha demanda, mucha autocrítica…como si exponiéndola al público se redimiera de sus pecados más personales.
Devastadora y a la vez confortante voz que le sale como pocas veces se ha escuchado. No os la perdáis y prestar atención al contenido: https://www.youtube.com/watch?v=6OutkMZHoDA 1973
Sus viajes a Israel  constituyen el cuerpo nervioso del nuevo disco New Skin for the Old Ceremony 1974 y fue mejor acogido que su lúgubre anterior álbum. La portada es un grabado que procede de un texto alquimista y representa la unión del principio masculino y femenino. La transformación kabala está llena de estos símbolos.
Mientras su matrimonio hace aguas.
En Octubre 1974 pisó por primera vez España en su gira del álbum, y gritó “mi guitarra ha llegado a casa”. A partir del 1975 tuvo más contacto con Roshi. Aprovechamos este acontecimiento para hablar de la meditación  y como esta impactó en su vida. A modo curioso, su apodo en el centro de Roshi era Jikan, que significa “el silencioso”: “nuestras necesidades son tan profundas que no nos atrevemos a articularlas”
Y Cohen se explica:
La Meditación hace que comprendas pues que la persona que crees que eres es un complicado guion en el que gastas la mayor parte de tu energía. Tras un examen más minucioso, descubres que es una personalidad que generalmente te disgusta. Y la razón de que no te guste es porque en realidad no eres tú. Si te sientes lo suficientemente aburrido y aterrado por esa personalidad, espontáneamente permites que se desvanezca. Y entonces, si tienes suerte, puedes experimentarte a ti mismo sin la distorsión de esa personalidad. Ese es, en esencia, el proceso del zazen, la filosofía de Roshi
Este método fue pensado para salir de la sala de meditación y llevar tu mente a tu trabajo, a tu amor. El método no fue pensado para meter monjes en salas de meditación. Es también un buen sistema para encontrar un hilo que seguir, puesto que todos estamos perdidos.
Es un proceso alquimista, un proceso de cambio interior, es justamente una alegoría para transformar la base humana de las emociones en algo más alto. Jung escribió sobre la alquimia añadiendo un “inconsciente colectivo” a la noción del inconsciente personal freudiano.
Por ejemplo en la canción “The Old Revolution” se dice “en este horno te pido que te arriesgues”. En ese horno se trata de examinar nuestra codicia, nuestros apetitos, nuestras ambiciones, nuestra crueldad. Eso es lo que se pide a examen.
Cohen prosigue: “Yo solo puedo proponer algo para mí mismo, quisiera sobrevivir, pero, ¿contra quién? Solo hay una persona contra la que luchar, y esa persona eres tú mismo, para vencer al nazi que todos llevamos dentro”
Tiene un tinte al espíritu Camus: “da un paso fuera y todo es basura” Por lo tanto, el paso debe ser interno. Y eso se puede canalizar perfectamente, por ejemplo,  con la meditación.
Luego vino su siguiente álbum  Death´s of a Ladies´Man 1977, el productor fue Phil Spector. Un productor muy conocido que  trabajó ni más ni menos con temas del calibre de “let it be”, River deep, mountain high”, “Spanish Harlem” de Aretha Franklin o “Be my baby” de Ronnetes.  Era conocido también el odio mutuo entre Phil y John Lennon tras trabajar con “Imagine”.  Supongo que con este bagaje sus honorarios no serían pequeños.
Cohen perdió el control de la grabación del álbum llegando Phil a apuntarle con una pistola. Incluso fue tal el trastorno de pérdida de control de la edición, que Cohen nunca tocó en directo este álbum por no sentirlo suyo. Con los años todo son perdones y agradecimientos. Pero sucedió así sin entrar en más detalles.
Personalmente Cohen asume la fractura total que existe entre el héroe público y el amante privado que es, entre el Arte y el Matrimonio. Esta fractura se acumula ya con otras que mencioné al inicio del artículo.
Tras la tormenta vino la calma. Sintió alivio, y pudo engendrar Recent Songs (1979) con el productor Henry Lewy, presentado por una importante amante/amiga de Cohen, Joni Mitchell.  
Su madre Masha recién falleció. Aprovecho para informar que su padre murió cuando Cohen tenía 9 años, allí empezó a escribir lo que no podía articular mediante la palabra.
Por lo tanto este álbum tiene un alto grado a sabor matriarcal. Su mujer dijo “su madre era la influencia espiritual más ensoñadora” y seguramente de ella heredó algún gen depresivo de paso.
El poeta estaba solo, sin su madre y Suzanne se fue con sus hijos a Francia. Tuvo entonces mucho más contacto con Roshi.
Muy sabia la decisión de incorporar a este álbum al violinista armenio Raffi Hakopian (descubierto en un bar en LA  bordando el tema “Take This Waltz”), el laudista John Bilezikijan (insuperable en “Lover lover lover” y “who by fire”), la voz corista de Jennifer Warnes  y con los arreglos óptimos en las harmonías de Anjani.  Cosiendo con ellos melódicas plegarias de realismo místico, inspiradas en textos sufíes, sobre todo con la fuente del poeta persa Farid al Attar  (The Guests/The Window), y para mí una de mis favoritas: “Ballad of the absent Mare”. Este tema se basó en un texto chino que Roshi le había narrado,
El arte le abría un camino a la recuperación.  

Década 80
Tras 6 años de descanso creativo,  edita su siguiente álbum Various Positius 1985  junto al productor John Lissauer. Musicalmente terreno llano, al descubierto, líneas melódicas ultra simples, los arreglos finos y serviciales como por ejemplo con HallelujahIf it be your will y The law.
Inició su gira más larga nunca antes realizada. En LA se presentó a la audiencia como “un veterano del Arco Iris, todavía serpenteando por su invisible trinchera”
Dylan le espetó en su camerino “tus canciones son cada vez más oraciones” (la yuxtaposición del zen y del judaísmo en su vida)
A destacarDance me to end of love” con un ritmo sirtaki muy destacable. Está inspirada en una canción que susurraban los judíos antes de acercarse a los hornos crematorios nazis. De allí  el texto “Dance me to your beauty with a burning violin”  y además  el violinista que aparece en el video oficial es una mueca o gesto hacia Marc Chagall (1887-1985), un pintor judío de origen ruso con influencias cubistas que vivió esa experiencia.
Le llegaba el éxito comercial que no sabemos si anhelaba, y puede que a modo de motivación sería la punta de lanza de su nuevo álbum I m your man 1988 con Jeff Fischer como productor. Cohen esta vez aportó mucho en la mezcla también y este trabajo lo encumbró en lo más alto en Noruega y España, y fue elegido mejor álbum en USA y UK.
Es un disco que con el uso del sintetizador nos invitaba al baile y a la reflexión como elementos antagónicos. La música puede ser “alegre”, pero los textos son apocalípticos como por ejemplo “First We Take Manhattan” o  “Everybody Knows, donde literalmente afirma:
“el sistema está podrido / todo el mundo sabe que el barco se hunde/ todo el mundo sabe que el capitán ha mentido”
Como de si un funeral alegre se tratase.
Según Cohen, este disco tiene la energía de la alegría de afirmar que todo descansa en la superficie, por ejemplo con el tema “Ain´t cure for love” dijo “no hace falta sumergirte en las canciones, y si eres tan tonto como para analizarlas, verás que son correctas, incluso teológicamente. Y se explica: “Jesús aparece en el último verso y me susurra que nadie puede escapar. Cristo, que se entregó completamente, que sabía que la única manera de amar era sacrificarse, él sabe que no hay amor sin una herida”
Y seguimos desgranando sus pensamientos:
-           Estamos condenados a amar sabiendo que no es la solución, pero es lo único que nos ayuda a sobrevivir y si queremos rizar el rizo: “¿es el amor lo que hace que nos amemos?”
Entonces, alguien podría decir, que hay una falta total de romanticismo en esas afirmaciones. ¿Cómo? ¿Romántico?
-          La idea que yo tengo de romántico es alguien que alberga ilusiones, según mi obra las mías son lejanas y escasas. Pero si la gente me llama romántico, hay muchas peores cosas a ser llamado.
-          Este mundo es la manifestación de una Caída, caemos del nacimiento en la muerte, del sueño en el fracaso, de la salud en la enfermedad. Y esta es la situación: no estamos en el Paraíso.
-          Este es el reino de la Grieta, éste es el reino del fracaso, éste es el reino de la Muerte, y a menos que afirmemos el fracaso y la muerte, vamos a ser muy desdichados. Cuanto más afirmemos la muerte, más felices seremos. Cuando más afirmemos el fracaso, más éxito tendremos.

Según Cohen su mejor live fue tocando “Take this walz”  y es donde podemos afirmar que contiene un alto grado asociativo con la idea de que el mundo romántico se ha acabado.
La traducción de Cohen sobre el original de LorcaTake This walz” le costó 150 horas de trabajo y una depresión. Sin ir más lejos, en una tema reciente estuvo 2 años para formular 40 estrofas, aquí os dejo un ejemplo de una de ellas:
Tú recuerdo es fragante        //         La pérdida, completa
Sólo hay un par de arañazos  //       A mil besos de profundidad

Curiosidad: Enrique Manzano, el más experto especialista español sobre Cohen y del cual he extraído mucha información para escribir este artículo, tradujo la traducción de Cohen de “Take This Walz” del inglés al español. Cohen se atrevió a modificar la letra original de Lorca y el resultado es demasiado bello.
Es un honor para Lorca y para las Artes en general tener dos versiones de una misma pieza única. Menester nada fácil, muy arriesgado el cambio en las estrofas, del que Cohen, en privado, se siente muy orgulloso aunque tuvo un alto peaje a pagar.
Es sabido que nuestra generación opina de Cohen con términos de depresión, tristeza o pesimismo. Puede que tras leer este artículo ayude a esa percepción, ese no era el objetivo ya que mi postura es antagónica a la creencia general y el artículo es una oda en toda regla a la transformación positiva.
Al preguntárselo directamente alega: “¿Pesimista? Un pesimista es alguien que espera que llueva, pero yo ya estoy empapado”. Y agrega “cuando yo soy oscuro, sólo tengo la culpa de mi oscuridad, pero nunca intento que mis palabras sean oscuras…Siento que escribir es más como enfrentarse a las cenizas de algo que ya ha ardido”
Y hablando sobre los significados de una canción y su vigencia en el tiempo, no por si se sigue escuchando tras los años, sino más bien por si el autor piensa lo mismo tras  años transcurridos. Entonces nos indica “las canciones son únicas en el momento de crearlas, y luego uno puede verlo distinto pero en el momento era su verdad...una canción funciona porque tiene su propio poder, su propia verdad, es una verdad de experiencia, y la experiencia cambia, nunca se tiene la misma experiencia dos veces, es como una huella dactilar”

Década 90
En esa época Nick Cave dijo de Cohen: “probablemente sea el único superviviente que haya sido capaz de trabajar en el área de la música y ser al mismo tiempo un escritor por derecho propio”
Haré otro pequeño inciso con una anécdota con Dylan, un gesto benévolo hacia el administrador de este blog y buen amigo Caarte. Ya en los 90, el presidente de Columbia, Don Iner, invitó a Cohen en el concierto de celebración de Dylan (si bien recordareis, donde Sinead o connor recibió mucho rechazo por parte de la audiencia con su polémica actuación) y Cohen le respondió con mucho humor:
“¿Bob Dylan, ese comunista que sin la ayuda de nadie destruyó la sociedad?… ¿Sabes lo que mi hija escribió en una punta de su libro? Vuestros hijos e hijas están fuera de vuestro control. Muchas gracias, Bob. “Y no sé si creyeron que hablaba en serio, pero no me lo volvieron a pedir”
Esta faceta cómica en Cohen no es muy conocida. Un ejemplo que lo contradice es el poema recitado “Mental Hospital” en sus inicios en Montreal como poeta. En este link aparece en los primeros 3 minutos de este documental, hace un par de años yo mismo traduje al español estas estrofas, además el final es muy abierto y con distintas interpretaciones entre el visitante y el amigo como paciente. Una vez pasados los 3 minutos es una biografía típica sin más de Cohen: https://www.youtube.com/watch?v=Uv4J7sID3Pk (no subtítulos)
Vamos a dar más información sobre el binomio Dylan /Cohen:
Como ya he mencionado, los dos judíos se conocieron en NY en 1969, sus lazos fueron: John Hammond y Bob Johnston, que fue el responsable de los álbumes más arriesgados de Dylan: Higway 61 Revisted 1965 y Blonde on Blonde 1966.
En 1972 se juntaron en una cabaña con sus respectivas, y dijo “cuando Dylan sacó aquel disco cristiano, la gente venía y decía: este tío está acabado, sin embargo yo pensaba que aquellos temas eran las canciones de góspel más hermosas que jamás había oído”
En las comparaciones entre ambos de los medios entendidos Cohen siempre quedaba en segundo plano y había un aura para poder enfrentarlos. Sin embargo, la realidad es que se admiran. Y para confirmarlo Cohen espetó: “Dylan es el Picasso de la canción, y yo, en todo caso sería el Matisse
Por otra parte Dylan comentó una vez “una de las personas que no me importaría ser durante un minuto es Leonard Cohen, los otros eran Ron Acuff y Walter Mattahau. Y para terminar la sincronización entre ambos, existe un “bootleg” de Dylan grabado durante un concierto en Montreal, ¿dónde si no? que recoge una versión de Hallelujah. Lo sigo buscando en la red y nada…no todo está en la nube. Pero la nube si está encima de todos nosotros.
Para más inri, en 1977,  Dylan  y Allen Ginsberg participaron en los coros de estudio en del tema “don´ t go home with your hard-on”. Vamos, que Dylan grabó improvisadamente como corista de Cohen. Mejor ejemplo que este de su amistad y admiración no es posible encontrar.
Para mí la mejor definición de ambos personajes de largo fue dicha por su productor Bob Johnston, donde  resume de una manera excelsa a dos de los más grandes “Leonard tiene el dedo puesto en el futuro. Dylan tiene los ojos puestos en el mañana
Cohen estaba de nuevo en la primera línea de popularidad que conociera a finales de los 60.  Y en su gira, de repente, pidió a sus músicos que “orbisonizaran” las canciones. ¿Y quién no es fan de Orbison? Incluso en los ensayos les decía a la banda “hazlo como lo haría Roy Orbison”. Cohen ordenó compulsivamente que todos los músicos tuvieran en la carpeta de sus partituras una foto de Orbison en modo de recordatorio permanente. 
Dada su edad y su importancia tras los años en la industria musical, llegaron los habituales homenajes populares. Los dos más estelares fueron: I am your Fan en 1991 y Tower of song 1995. Los participantes fueron entre otros: REM, Nick Cave, The Pixies, House of Love, Willie Nelson, Aaron Neville, Billy Joel, Don Henley, Suzanne Vega y Jann Arden. El grupo Sisters of Mercy le debe su nombre e incluso Kurt Kobain en el tema Pennyroyal Tea menciona a Cohen:
Give me a Leonard Cohen afterworld //   So I can sigh eternally (dame Leonard Cohen después del mundo // así puedo suspirar eternamente)
Tras  4 años ausente, publicó The future 1992. Es curioso mencionar que por primera vez aparecen dos temas no escritos por él mismo y uno instrumental. Es un álbum dedicado a  Rebeca de Mornay, su pareja en ese tiempo. Se conocieron en 1986 cuando fueron presentados por Robert Altman. Rebeca participó incluso en arreglos de algunos temas, y Cohen resaltó de ella su potente inteligencia. La joven mano que mece al poeta.
El futuro es ya pasado. El Reino de la Grieta, que es por donde puede entrar la luz “There´s a crak on Everything”.Todos pues esperamos el milagro. Y aquí está el futuro: crack y sexo anal, el hombre blanco bailando sobre las cenizas de la civilización occidental. Un disco  muy crítico con la sociedad actual y una mera constatación de que Gurdjieff tenía razón, como ya dijo en los años 60.
Cohen fue a ver a Camarón al Olympia de Paris. Camarón moriría en 1992. Cohen tenía el alias de “el Judío Gitano”, por su dependencia a Lorca y su guitarra española. Dijo al saber que Morente y Pepe Habichuela traducirían sus canciones “sería como si Ray Charles cantara una de mis canciones”
Después de la gira correspondiente Cohen pasó del 1994 al 1999 recluido en un monasterio Zen  y fue finalmente ordenado por Roshi monje budista  Allí se rehabilitó del alcohol y de sus otras miserias. Un monasterio zen es un lugar de rehabilitación.
Para expresar lo que siente Cohen por su maestro, lo plasmó en pocas palabras “Sin Roshi yo no sería” una relación que ya duraba más de dos décadas y de la cual ambos se nutren por igual.
Ya en 1998 murió uno de sus mejores amigos, Robert Hershorn, casualmente el mismo día que nació su hijo Adam, dijo en el sepelio “Compañero del Espíritu, la Pereza y el Amor”. Otra gran perla diseñada a plasmar lo que alguien ha significado para ti.
Para terminar me gustaría que estuvieras muy atentos a como un señor superados los 75 años recibe un premio poético, que en otros tiempos hubiera rechazado tipo Marlon Brando. Pero se halla en un estado de equilibrio, de optimismo, de agradecimiento a las personas que se ha cruzado y empapado, de humildad, de sabiduría…son 11 minutos llenos de espiritual ternura.
https://www.youtube.com/watch?v=JUKu2-QEspQ (atención a partir del minuto 4 hasta el minuto 5.26)
Never to lament casually; and if one is to express the great inevitable defeat that awaits us all, it must be done within the strict confines of Dignity and Beauty."
¿Qué mejor final que esta frase y en el contexto del discurso? 
Por Tomarasp




*Formulación de la Doctrina del Cuarto Camino, con múltiples orígenes en diversas tradiciones (budismo, sufismo, hinduismo, cristianismo ortodoxo oriental). Hay tres caminos: el camino del fakir, el del monje y el del Yogi. Más allá de estos tres caminos, hay un Cuarto Camino. Según Gurdjíeff, esta idea data de tiempo inmemorial y no es una idea original suya. El Cuarto Camino nunca empieza en un nivel inferior al de un buen padre de familia, porque requiere la responsabilidad de una persona que vive en el mundo y se enfrenta a los quehaceres cotidianos sin la necesidad de abandonar el mundo, como sucede en los otros tres caminos. El Cuarto Camino requiere que la persona trabaje sobre el intelecto, las emociones y el cuerpo físico. En el Cuarto Camino, la función sexual es la más importante. Según Gurdjíeff, la energía sexual es la más poderosa que produce el organismo, sin la sublimación de la cual no se puede lograr nada.[3]
*Los 10 Mandamientos de Osho:
1.         Nunca obedezcas ningún mandato a no ser que también provenga desde tu interior.
2.         No hay otro Dios que la vida misma.
3.         La verdad está dentro de ti. No la busques en otra parte.
4.         El amor es una plegaria.
5.         Llegar a ser el vacío es la puerta hacia la verdad. El vacío mismo es el medio, el destino y el logro.
6.         La vida es aquí y ahora.
7.         Vive, totalmente despierto.
8.         No nades, flota.
9.         Muere a cada instante para que puedas nacer de nuevo a cada instante.

10.      No busques. Aquello que es, es. Detente y mira.

domingo, 22 de marzo de 2015

Poemas Cantados: "The WASP" de Jim Morrison (The Doors)

En plena efervescencia del movimiento hippie hubo dos grupos que nadaban contra corriente, por un lado The Velvet Underground con Lou Reed a la cabeza desde New York, a miles de kilómetros del epicentro del verano del amor y por otro lado, y en medio del meollo como si del mismísimo caballo de Troya se tratase, The Doors con Jim Morrison de abanderado. Ambos grupos se diferenciaban del resto en su visión trágica del mundo excelentemente plasmada en las letras de sus canciones.
Jim Morrison pasó de ser un inseguro y tímido cantante a epítome de lo que un frontman debe de ser y de aquí pasó a ser lo que siempre había anhelado con más fuerza, convertirse en un reflexivo poeta bebedor.
"The WASP (Texas Radio and The Big Heat)" pertenece al sexto y último disco de The Doors con Morrison en vida. No es un tema característico del grupo y ni de lejos es una de sus canciones más conocidas, es más, es una auténtica desconocida entre otras causas por sus estrofas recitadas en vez de cantadas que hacen que sea muy anticomercial.
Morrison parte de la idea de querer representar las músicas que fueron inundando su cabeza cuando se mudó, aun jovencito, con su familia al suroeste; músicas que escupían a todas horas las radios locales y que un Morrison ávido de conocimiento devoraba entre intensas lecturas de poetas y filósofos que acabarían influyendo mucho su poesía como William Blake o Friedrich Nietzsche. El poema referido parte efectivamente de esa idea y deviene en pura versificación típica de Jim donde la noche, el alba, lo oculto toman el protagonismo. "The WASP" es un claro ejemplo de los lugares comunes de la poesía de Morrison, de su imaginería particular (algo que destaco en los poetas, tener mundo propio), una canción recitada donde para disfrutarla al máximo lo mejor es dejarse llevar entre el mar de versos que nos ofrece sin esforzarse por querer desentrañar el sentido de los mismos.

Por Caarte.

THE WASP (Texas Radio and The Big Heat)



I wanna tell you 'bout Texas Radio and the Big Beat 
Comes out of the Virginia swamps 
Cool and slow with plenty of precision 
With a back beat narrow and hard to master 

Some call it heavenly in it's brilliance 
Others, mean and rueful of the Western dream 
I love the friends I have gathered together on this thin raft 
We have constructed pyramids in honor of our escaping 
This is the land where the Pharaoh died 

The Negroes in the forest brightly feathered 
They are saying, "Forget the night. 
Live with us in forests of azure. 
Out here on the perimeter there are no stars 
Out here we is stoned - immaculate." 

Listen to this, and I'll tell you 'bout the heartache 
I'll tell you 'bout the heartache and the lose of God 
I'll tell you 'bout the hopeless night 
The meager food for souls forgot 
I'll tell you 'bout the maiden with wrought iron soul 

I'll tell you this 
No eternal reward will forgive us now for wasting the dawn 

I'll tell you 'bout Texas Radio and the Big Beat 
Soft drivin', slow and mad, like some new language 

Now, listen to this, and I'll tell you 'bout the Texas 
I'll tell you 'bout the Texas Radio 
I'll tell you 'bout the hopeless night 
Wandering the Western dream 
Tell you 'bout the maiden with wrought iron soul

LA WASP (Radio Texas y El Gran Ritmo)


Quiero hablarte de Radio Texas y el Gran Ritmo

Procede de los pantanos de Virginia
Fresco y lento, lleno de precisión
Con un ritmo de fondo, estrecho y difícil de dominar.

Algunos lo llaman maravilloso por su brillantez,

Otros lo pobre y mezquino del sueño del Oeste,
Amo a los amigos que he reunido en esta ligera balsa,
Hemos construido pirámides en honor de nuestra huida,
Esta es la tierra donde murió el Faraón.

Los negros en la selva, brillantemente emplumados dicen:

"¡Olvida la noche! Vive en con nosotros en las selvas de azur,
Aquí en el perímetro, no hay estrellas: 
Aquí somos de piedras- inmaculados"

Escucha esto, te hablaré de la angustia

Te hablaré de la angustia y de la pérdida de Dios.
Te hablaré de la noche sin esperanza,
El escaso alimento que las almas olvidaron,
Te hablaré de la chica con alma de hierro forjado.

Te diré esto

Ni siquiera la recompensa eterna nos perdonará,
Por haber malgastado el amanecer.

Te hablaré de Texas Radio y el Gran Ritmo,

Suavemente guiado, lento y loco como un nuevo lenguaje

Ahora escucha esto, te hablaré de Texas,

Te hablaré de Radio Texas,
Te hablaré de la noche sin esperanza,
El delirio del sueño del Oeste,
Te hablaré de la chica con alma de hierro forjado.

viernes, 6 de marzo de 2015

Poemas Cantados: "Salitre" de Quique Gonzalez


Podíamos hacernos los remolones pero tarde o temprano llegaríamos hasta aquí. Parada obligatoria. Todos los caminos conducen a Quique Gonzalez. Si hablamos de cantautores actuales, si hablamos de poetas trovadores, elijamos el camino que elijamos acabaremos llegando a los versos de Quique. Sin lugar a dudas estamos ante el encargado de portar la antorcha de la canción de autor de nuestro páis, el sucesor de nuestros escritores de canciones más clásicos, léase Joaquín Sabina, Antonio Vega o Enrique Urquijo, todos ellos grandes referentes a nivel nacional de nuestro protagonista.

La carrera de Quique Gonzalez siempre ha andado a medio camino entre el mainstream y el indie, o mejor dicho, no ha pertenecido a ninguna corriente, ya que no está dentro de los indies ni está dentro de la música comercial, él siempre ha cabalgado libre, lejos de cualquier etiqueta.
Quique siempre dice que en sus canciones la letra es, siempre al menos, el 50% de la canción, poniendo de releve la importancia del texto en sus composiciones, siguiendo así la estela de sus grandes ídolos, que si ya los hemos señalado a nivel nacional, a nivel internacional no son otros que Bob Dylan, Neil Young o Johnny Cash.
Sus letras, y esta canción es un claro ejemplo, recoge dos grandes influencias, por un lado el lado urbanita de Sabina y por otro ese sabor tan mediterráneo de poetas nuestros como Serrat o Alberti, y entre medio de unos y otros uno de sus grandes maestros: Luis García Montero.
"Salitre" está dentro de su disco "Salitre 48" del 2001, para mí su mejor disco, aunque eso es mucho decir, pero aquí está condensado su canción de autor más castiza (y aún no tan americana) y sus textos más poéticos.
"Salitre" tiene ese aire evocador del amor perdido en el que nos refugiamos una vez que acecha el frío, ese mirar atrás una vez que la batalla está perdida y el amor ya está lejos, muy lejos.
Quique Gonzalez y una de sus canciones más emblemáticas.

Te acariciaba el viento de poniente 
Te llevó a la arena bañada en salitre 
Te acariciaba un marinero en tierra 
pero esta vez no era yo. 

Te conocí en Conil de la Frontera 
Nunca es primavera donde tú creciste 
Sigues teniendo carita de pena 
pero no me mires con tus ojos tristes. 

Bañada en salitre 
flota en la memoria de los días grises 
Fumo en la ventana 
veo tu silueta sobre el arrecife. 

Algunas flores crecen en las dunas 
sube la marea y se hacen invisibles 
Algunas duermen a la luz de la luna 
persiguiendo sueños imposibles. 

Bañada en salitre 
flota en la memoria de los días grises 
Fumo en la ventana 
veo tu silueta sobre el arrecife. 

Y ahora tendré que salir a buscarme 
alguien que me arranque de cuajo la pena 
De alguna manera tendré que olvidarte 
tengo que olvidarte de alguna manera

Por Caarte.

sábado, 31 de enero de 2015

Los 10 mejores discos de Nick Cave (II)

5. LET LOVE IN (1994)

Si dividimos la carrera de Cave en tres etapas, una primera siniestra, una segunda clásica y una tercera intimista, este "Let Love In" es el culmen de su etapa clásica, es el disco más redondo y donde tienen cabida todas las aristas de Cave y las malas semillas en ese época. Aparte es el primer disco en el que aparece Warren Ellis aunque simplemente como colaborador.
Es el primer disco que el gran público (sin volvernos locos) abrazó, pero lo hizo sin venderse a nada ni a nadie, si no que el público fue quien aprendió a valorar el estilo tan peculiar y oscuro suyo. De hecho un disco que se llama "Deja entrar al amor" y que es un disco romántico no se parece para nada a lo que cualquiera puede entender como un disco de amor. En el amor de Cave hay, por supuesto poesía de la buena, pero también dolor desgarrado, violencia, miedo...
El disco comienza, y no podía ser de otra manera, con "Do You Love Me?", con ese bajo tan característico y sugerente, con que elegancia suena toda la banda, guitarra, batería, piano, con el ritmo perfecto, la atmósfera ideal para el fraseo de los versos de Nick. Después está la tierna balada de piano y guitarra eléctrica "Nobody´s Baby Now" donde Cave busca en las sagradas escrituras la razón por la cual ella no pertenece a nadie ya. "Loverman" tiene esa cadencia mántrica que tantas veces aparece en los discos de esta gente, un buen tema, cosa que no puedo decir de "Jangling Jack", ruidosa y fea que ni me entra ni me acabará entrando, o eso creo. La canción estrella del disco junto con "Do You Love Me?) al menos para mí es "Red Right Hand", es un marca de la casa en toda regla, canciones así sólo se las podemos oír a ellos. Esto sí que es sonido característico suyo, esa atmósfera misteriosa bogando por las calles solitarias en mitad de la noche y apareciendo una figura imponente envuelta en un abrigo negro y con su mano derecha roja...sin lugar a dudas su canción más emblemática del álbum y uno de los grandes logros de su carrera. "Let Love In" aparte de dar título al disco es un bonito, agradable y comercial medio tiempo pop-rock. Para los que quieran saber que es y como trata el amor Cave aquí tienen una buena muestra. Cave nunca caerá en la ñoñería en la que caen tantos al escribir sobre amor, por muy delicado que se ponga, que no es el caso precisamente de esta canción. "Ain´t Gonna Rain Anymore" tiene ese aire tan The Doors cuando estos se ponían profundos como en "The End", es una canción de desamor donde con su elegancia particular Cave llora la ausencia de la amada.
"Let Love In" es el disco cumbre que gusta a todos, a los primeros fans de Cave, aquellos que adoran su etapa en The Boys Next Door y The Birthday Party y los primeros disco con los Bad Seeds y los seguidores más amantes de su posterior época más melódica. Five stars.

Once there came a storm in the form of a girl
It blew to pieces my snug little world
And sometimes I swear I can still hear her howl
Down trough the wreckage and the ruins

4. ABBATOIR BLUES / THE LYRE OF ORPHEUS (2004)

Veníamos de "Nocturama" que había dejado al personal algo mosca y se rumoreaba si ya había empezado la cuesta abajo de Nick Cave and the Bad Seeds, y así de manera imprevista apareció esta catedral sonora. Dos discos de una tacada editados conjuntamente, así es exactamente, ya que no se trata de un disco doble si no de dos discos publicados a la vez, de hecho cada disco tiene su personalidad propia, siendo el primero más enérgico y desenfrenado y el segundo más relajado y reflexivo, eso sí, en los dos está presente el novedoso, sorprendente y acertado coro gospel.
Los fans más cañeros llevaban un tiempo protestando sobre el rumbo de la banda y acogieron con brazos abiertos esta inmensa descarga de adrenalina. A estas alturas Warren Ellis ya es absolutamente en lugarteniente de Cave, su mano derecha, y lo toca y arregla todo, no sólo el violín.
El disco se abre con la brutal explosión que es "Get Ready for Love", es un aviso para navegantes, estate listo para el amor y también para todo lo que viene a continuación, abróchate el cinturón. Y después lo que viene es la tierna "Cannibal`s Hymn" con su crujiente guitarra eléctrica al principio a la que después se unen la acústica y el piano, Mejor incluso que esta es para mí "Messiah Ward" con los acordes iniciales de piano tan característicos. El hit del disco es sin lugar a dudas "Nature Boy" ideal para cantar con los colegas en cualquier bar en cualquier noche de borrachera. Antes de pasar e "The Lyre of Orpheus" hay que destacar ese medio tiempo tan acertado que es "Let The Bells Ring", pues eso, que suenen.
"The Lyre of Orpheus" abre con el tema de mismo nombre donde Cave nos narra la historia del famoso personaje de la mitología griega bajo el mantra de ese "Oh Mama, Oh Mama", puede resultar pesada, pero con el tiempo gana, con ese sonido tan Tom Waits. De la que nadie se puede cansar es de la segunda en la lista, le toca el turno a "Breathless" y a esas flautas de Ellis, una de las mejores de los dos discos. Si con "Breathless" el tema ya se estaba frenando ahora ya lo hace del todo con "Babe, You Turn Me On" donde Cave recita bellos versos a su musa. "Easy Money" es otra joya con Cave al piano y la banda acompañando, esto está lleno de temazos. La nota de furia en esta segunda parte corre a cuenta de "Supernaturally", subid el volumen.
Estamos ante un LP con dos discos dentro que puso de acuerdo a crítica y público, y cuando eso sucede uno cierra la boca y se quita el sombrero y a otra cosa, pues eso.

The sun is high up in the sky and I`m in my car
Drifting down into the abbatoir
Do you see what I see, dear?
The air grows heavy. I listen to your breath
Entwined together in this culture of death
Do you see what I see, dear?

3. THE GOOD SON (1990)

Justo en el momento en el que muchos fans se sintieron traicionados por el nuevo estilo de Cave a mí me ganó para siempre, porque el Cave que más me llena, al Cave que considero un auténtico genio es al Cave que se sienta al piano y nos canta esas baladas tan profundas y elegantes. Y este "The Good Son" es el primer ejercicio a este respecto que hizo Nick en su carrera, pero no sería el último...
Mientras empezaban a surgir el grunge y el brit pop nuestro admirado australiano engalanado en sus caros trajes se sentaba al piano y se nos ponía tierno, siempre a contracorriente, siempre a su bola. 
El disco es principalmente un disco acústico, piano en el centro de todo y luego guitarras acústicas y sección de cuerdas ganan notoriedad, aunque lógicamente está la banda detrás.
Por aquellos tiempos vivía en Brasil y ello queda reflejado en el tema que abre el álbum, "Foi Na Cruz", dulce balada de temática religiosa. En la misma línea continúa "The Good Son". El tercer corte se sitúa por encima de las dos anteriores, "Sorrow`s Child" es un baladón eterno, con ese piano que emerge a mitad de canción y se adueña de ella hasta terminarla, insuperable. El disco sigue por la misma senda durante los tres cuartos de hora que dura. "The Weeping Song" acelera un poco (sólo mete la segunda, no os vayáis a creer) configurando uno de los temas más reconocibles y aplaudidos del largo. "The Ship Song" es otra obra maestra, versos que perfectamente podría haber escrito el mismísimo Leonard Cohen, si no pasen y lean. El toque siniestro lo pone "The Hammer Song" que en otro disco habría pasado como una de las canciones sofocadas del listado pero que aquí se emerge como la rebelde. "Lament" nos regala posiblemente el mejor estribillo del disco, y uno de los mejores de su carrera (Así que sécate los ojos, gira la cabeza, no hay nada más que decir, ya te puedes ir). "The Witness Song" es la canción marchosa del disco, y la verdad que es la más floja, auque con Nick aceptamos pulpo como animal de compañía o lo que haga falta. Para cerrar el disco, y como no podía ser de otra manera, Nick se sienta al piano, esta vez casi sin acompañamiento, y se nos despide con "Lucy".
Un disco que para el gran público fue y es mucho más digerible que otros anteriores y el primer atisbo de lo que podía dar de sí Cave sentado al piano. A mí con este tipo de discos me tiene ganado, pero es que independientemente de su carácter intimista el lp está sobrado de magníficas canciones con magníficos arreglos y, como no, de magníficas letras.

Come sail your ships around me
And burn your bridges down
We make a little history, baby
Every time you come around

2. THE BOATMAN`S CALL (1997)

Si antes decíamos que "The Good Son" fue su primer ejercicio pleno de Cave sentado al piano, ahora en este "The Boatman´s Call" estamos ante la perfección máxima en tales lides. Podemos hablar de disco en solitario ya que el papel de los Bad Seeds queda reducido a lo practicamente testimonial, no sólo por que es basicamente un disco de Cave sentado al piano si no porque es un disco de autor donde Cave se desnuda interiormente y no deja que los componentes de la banda aporten ideas. La belleza del largo es tal que incluso los fans radicales tuvieron que claudicar. Si el color de la portada es el blanco y negro por dentro sucede lo mismo. Dentro del tono oscuro y tenebroso de las canciones las poesías que contiene aportan la luminosidad con la cual llegar al amor, llegar a Dios.
"The Boatman`s Call" es un ejercicio perfecto de lo que deberían ser las canciones de amor, sin caer en los lugares comunes que tanto estropean las canciones de amor, lo suyo es pura poesía y se erige como el verdadero sucesor de Leonard Cohen. En sus hermosas letras Cave construye su particular "Blood On The Tracks" o disco donde plasmar el fin de una relación, en este caso de su mujer, al igual que hiciera Dylan allá por el año 1975.
Para abrir boca los acordes de piano de "Into My Arms" (¿posiblemente mi canción preferida de Cave?) demostrando lo que debe ser una canción de amor con voz y piano con sus leídos y releídos versos "No creo en un Dios intervencionista, pero sé cariño, que tú sí, pero si creyera me arrodillaría ante él y le pediría que no interviniera en lo que a ti respecta, que no tocara un pelo de tu cabeza, que te dejara tal y como eres, y si Él sintiera que debe dirigirte entonces que lo hiciera enviándote entre mis brazos", ahí queda eso, insuperable, curiosamente esos versos siempre me han dirigido a otros de Ángel González que dicen "Si yo fuese Dios y tuviese el secreto, haría un ser exacto a ti", simple coincidencia, está claro.
Si hemos empezado con la canción perfecta el álbum sigue con un nivel insuperable, "Lime Tree Arbour" es simplemente hermosa a más no poder "The wind in the trees is whispering, whispering low that I love her", tres minutos perfectos. Pero es que ahora ganamos en emoción con "People Ain`t No Good" donde Cave se encierra en el mundo interior que forman él y su amada y observan acurrucados en su amor que ahí fuera la gente no es buena, pero que más da, el amor no necesita de nadie más, una vez más estrofas que están fuera del alcance del 99% de cantantes. "There is a Kingdom" relaja un poco el ambiente, tiene incluso un poquito de ritmo, la temática una vez más, el amor, en este caso, el reino del amor. Con "(Are You The One That I`ve Been Waiting For)" vuelve la descarga sentimental, y como muy bien indica el título el autor le regala a su musa versos donde le muestra la larga espera sufrida hasta que el destino los ha unido, uno de los momentos álgidos del disco, y eso es mucho decir. "West Country Girl" se desmarca del resto con un aire más folk, es una canción inspirada en ¿P.J. Harvey? con la que como podéis suponer no sólo hizo un dueto en el "Murder Ballads" del año anterior...Nos acercamos al desenlace del largo donde aún tenemos otras dos verdaderas joyas, por un lado está "Idiot Prayer" donde Cave se resigna a la derrota y se despide exhausto, aquí hay que señalar el protagonismo de la guitarra eléctrica envolviendo el paisaje, que es sereno, eso sí, por otro lado nos queda "Far From Me", con el bajo guiándolo todo, es simple y llanamente una canción de amor donde Cave se lamenta que en este mundo cruel donde habitamos lo único que le merece la pena, lo único que le puede salvar es el amor de ella, y ella está lejos de él.
Una maravilla de disco sin lugar a dudas, tal era el estado de gracia de Nick en aquellos tiempos que hubo un gran puñado de enormes canciones que se quedaron fuera de las doce elegidas, varias de ellas las pudimos disfrutar como acompañantes de los singles que se lanzaron, "I do, Dear, I do", "Come Into My Sleep" o "Bless His Ever Loving Heart" serían canciones referencia en otros artistas, aquí ni pasaron el corte.
El disco intimista por excelencia, poesía bañada en piano, el resto es historia.

Seasons came, seasons went
The winter stripped the blossoms bare
A different tree now lines the streets
Shaking its fists in the air
The winter slammed us like a fist
The windows rattling in the gales
To which she drew the curtains
Made out of her wedding veils

1. NO MORE SHALL WE PART (2001)

Ya hemos llegado por fin a la que para mí es su obra cumbre, el disco continuación de "The Boatman`s Call", no sólo cronológicamente si no estilísticamente, ya que este "No More Shall We Part" sigue los mismos derroteros de la llamada del barquero, es decir, preponderancia del piano y fuego lento, aunque esta vez la banda gana en protagonismo, siendo un disco mucho más rico en arreglos, un disco con más detalles, mas matices.
Por esos tiempos la manera de trabajar de Cave había cambiado y este es el fruto, había dejado de trabajar in a rock star`s way y ahora se había alquilado una oficina en Londres a la cual iba nueve horas al día, seis días a la semana quedando sorprendido de que si te tomas su profesión como un trabajo normal el rendimiento y la productividad aumenta exponencialmente, por otro lado huía de las distracciones familiares que le esperaban en el hogar.
Este "No More..." es el disco en el que Cave se luce más como cantante. Sin ser ningún privilegiado los años le van sentando bien y la autoconfianza en su timbre de voz y en el modo de utilizarla ofrecen un resultado maravillosamente triste.
Para comenzar nada de aperitivos, ya directamente el solomillo "As I Sat Sadly By Her Side" con esa insuperable guitarra a la que se une una vez más una acertadísima melodía de piano, y Nick reflexionando sobre las bondades del amor marital, el calor del hogar y el frío más allá de la ventana. Seis minutazos que dan a entender que tras "The Boatman`s Call" Nick seguía en plena forma. En segundo lugar encontramos la canción que da título al álbum y aquí ya la calma es extrema y bella a más no poder, Cave cantando como nunca y el piano lento, sobrio, grave, es una canción de amor al más puro estilo "Into My Arms", insuperable, además a mitad de canción se produce el que para mí es el momento más emocionante y hermoso en toda la carrera del grupo y es la entrada de Warren Ellis con ese arreglo de violín que se marca mientras Cave suplica "Señor, estate junto a mi, no me abandones, nunca seré libre si no lo soy ahora" es para echarse a llorar, dejarlo todo y simplemente gozar.
Trás este comienzo brutal, espectacular nos damos cuanta que no hay descanso si no que el disco sigue con el mismo tono y el mismo nivel, nada más y nada menos que "Hallelujah" nos espera, esta vez no es una versión del "Hallelujah" de Leonard Cohen al que ya versionó en su primer disco con "Avalanche", pero el tema es también un temazo como aquel de su maestro canadiense. La canción empieza con el violin de Ellis en plan mantra como si se tratase de la mismísima llamada del barquero. La letra es también muy Cohen, una historia honírica que podemos interpretar como que estamos ante un Cave que ya no vuela tan libre como antaño si no que prefiere la seguridad del hogar.
"Love Letter" podía estar perfectamente en "The Boatman`s Call" por su indudable calidad y por el tono de voz y piano. El paralelismo entre las canciones y las cartas de amor para Nick es algo indiscutible, de hecho todas las canciones de amor deberían nacer como cartas de amor. Aquí en esta bella canción Cave le susurra a su carta de amor que vaya a buscar a su amada y consiga traerla de vuelta, lo dicho, hermosura a raudales.
Por fin el largo nos da un respiro y nos sacudimos un poco los anquilosados huesos y nos disponemos a partir de una balada más a acabar explosionando en el loco frenesí que es "Fifteen Feet of Pure White Snow", mención especial para el video clip, buenísimo. "God Is in the House" nos devuelve a la más serena tranquilidad con Cave al piano y realizando otro espectacular ejercicio vocal. Todavía hay tiempo para platos fuertes y eso lo encontramos en "The Sorrowful Wife", bellísima balada con imágenes insuperables de la mujer fiel, plácida, humilde y sí, claro, triste, que va avanzando hasta explosionar en una descarga eléctrica de furia donde Cave le pide ayuda y perdón a su sorrowful wife. Venga va, otro temazo, otra carta de amor para terminar, por si no habíais tenido suficiente, "We Came Along This Road", redención, perdón ante la amada como último intento por recuperar al amor conyugal, tema recurrente en el disco "No More Shall We Part", "Love Letter"...
En "No More Shall We Part" nos encontramos ante el disco perfecto en intensidad, intención y letras, con una Cave absolutamente maduro, afianzado y seguro de sus pasos, su dominio de la situación como frontman y como poeta es absoluta.
Nick Cave envejece de manera asombrosa como el buen vino, esperemos que, como todo parece indicar, siga editando discos estupendos repletos de estupendos versos, que se le caen de las páginas, y podamos tenerlo como a Cohen que a los 80 años se saca un discazo.

And no more shall we part
The contracts are drawn up, the ring is locked upon the finger
Never again will my letters start
Sadly, or in the depths of winter
And no more shall we part
All the hatchets have been buried now
And the birds will sing to your beautiful heart
Upon the bough

Por Caarte.